Viviendo la posteridad


Ya estamos instalados en la posteridad. En cada pequeño acto de nuestra vida cotidiana, está la intención de dejar una pequeña huella, una marca. Por ejemplo, en el mensaje que dejamos en nuestra red social favorita, ese que todos leerán si nos morimos antes de desactivar la cuenta; en las fotos de la última fiesta o reunión, que colgamos presurosos y exhibicionistas. O en los blogs que llenamos con nuestras obsesiones preferidas.

Vivimos para una imaginaria posteridad, cuando menos podemos jugar a que esta existe, y tomar la delantera eternizándonos en mensajes, ideas y opiniones.

Por eso invitamos a quien lo desee, a dejar una huella en este espacio.


sábado, 30 de junio de 2012

Andreas Gursky


 1955 Leipzig vive en Düsseldorf

París Montparnasse (1993)

     Andreas Gursky estudió en la Escuela Folkwang, de Essen, y en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, donde en 1985 asistió a los cursos magistrales de Bernd Becher.Sus fotos en color de gran formato están muy influenciadas por el trabajo de su maestro.Están llenas de audacia y dinamismo, condensan una intensa aunque petrificada energía en la imagen. Las imágenes de Gursky se caracterizan por la desacostumbrada atención puesta en los pequeños detalles, en los eventos, las figuras y los motivos, que contrastan con los objetos gráficos y las formas aisladas tan típicos en los trabajos de los Becher. El fotógrafo toma como temas las situaciones actuales y los paisajes naturales.Las imágenes de Gursky captan la dimensión, la intensidad y la densidad de la actividad humana,así como el ritmo de los movimientos.
     Su foto de gran formato en colores París Montparnasse (1993), muestra una imagen anónima de los numerosos pisos de un bloque de viviendas de la clase obrera, símbolo característico de la vida en las grandes urbes de la época posindustrial. Tal como en el  realismo casi fotográfico de los cuadros de grandes ciudades despobladas, pintados por Richard Estes, la figura humana desmpeña un papel secundario en ese retrato realizado por Gursky de un inmueble parisino. La composición de la imagen es sistemática y conceptual, fría y distanciada. El artista no recurre a ninguna escenografía: el joven alumno de Becher sólo refleja, sin comentarios, lo que ya existe. Pero, independientemente de todo comentario crítico del artista, la desolación y el aislamiento de su fotografía objetiva manifiestan, por sí mismos, un punto de vista claro.
GG

''Kamiokande''

The Stone Roses / The Stone Roses (1989)




Sello Discográfico /  Silverstone
Producción /  John Leckie
Dirección Artística / John Squire
Nacionalidad /  Reino Unido
Duración /  48:32

“Sólo  somos un grupo rítmico, simple folk pisoteado”
     A pesar de su gótico nombre (y sus orígenes), The Stone Roses se convirtieron en sinónimo de la floreciente escena Éxtasis en su ciudad natal, Manchester, fusionando de un modo innovador  música dance y rock  (un reflejo de sus influencias, pasadas y presentes) junto a sus compañeros de viaje los Happy Mondays.
     La cubierta del disco, inspirada tanto por Jackson Pollock como por los disturbios estudiantiles del París de 68 (los estudiantes chupaban limones para contrarrestar los efectos del gas lacrimógeno), fue obra del guitarrista John Squire, y su maestría con la guitarra recorre el álbum con tanta libertad como la pintura que decora la cubierta.”Bye Bye Badman” remite a los disturbios del 68 y –junto a “Elizabeth My Dear” (“Scarborough Fair” reescrita como una balada antimonárquica)- muestra la visión antisistema de los Roses, a menudo subestimada.
     Nunca exagerado, siempre esencial, la interpretación de Squire es a menudo considerada la columna vertebral del álbum.Sin embargo,el batería Alan “Reni” Wren, cuya suaves y cuidadosas armonías de acompañamiento “Bye Bye Badman” y la sobrecogedora y espontánea épica  de “I Am The Resurrection” sigue gustando y sorprendiendo hoy en día.
     La energía y la imaginación de canciones como la soñadora “Waterfall” y su prima “Don´t Stop” (la misma canción, tocada al revés, con la letra adaptada) captan el optimismo que caracterizó la era que siguió al nacimiento del acid house en el segundo verano del amor en Gran Bretaña.
     The Stone Roses materializaron el espíritu aparentemente libre de la época y, al mismo tiempo, rememoraron el semillero creativo del pop y el rock de los 60.Que produjesen de forma inadvertida un álbum con la capacidad para permanecer en una era de lo efímero como aquella es toda una maravilla.
JK



viernes, 29 de junio de 2012

Exposición : “A veces me dan ganas de nacionalizarme culebra” – INDIVIDUAL DE MARIANA TSCHUDI




Mariana Tschudi nos presenta una original propuesta: se trata de una instalación interactiva de videoarte utilizando un sistema que lee las ondas cerebrales del espectador. Esta muestra consta de una selección de 13 piezas de video arte y 15 fotografías. Es una colaboración entre arte, naturaleza y ciencia.

El proyecto contempla un trabajo de investigación basado en la recopilación de experiencias con plantas maestras. Para desarrollarlo se contactó con varias personas que tienen una relación estrecha con el ayahuasca y ha ilustrado en video y animación las experiencias recopiladas y los encuentros que la artista tuvo con la planta maestra en el lapso del primer año de investigación.

Inspirada por la manera en la que aparecen las visiones en un viaje de ayahuasca, Mariana ha creado una película orgánica: las escenas/videos que aparecen ante el espectador dependen de su actividad cerebral. La artista ha desarrollado un sistema tecnológico con la colaboración de Juan Manuel Benavides, ingeniero biomédico; dicho sistema lee las ondas cerebrales del espectador mientras está mirando una escena de la película, y luego usa esa información para definir qué escena vendrá después.  De la misma manera que en una ceremonia de ayahuasca, en este proyecto interactivo, el estado mental y emocional de la persona está íntimamente involucrado.

La muestra será complementada con una instalación de cerámicas de Brisa Deneumostier.

IMPORTANTE.- El público podrá interactuar con la instalación en presencia de la artista en el siguiente horario: Lunes a viernes de 6 a 7pm y sábados de 5 a 6pm. La muestra se puede ver en el horario normal de la galería.



RESEÑA

Mariana Tschudi es artista visual graduada de Rhode Island School of Design, USA. Actualmente está desarrollando una maestría de Arte Digital de la Universidad de Artes de Londres, Camberwell College of Arts.  Desde el 2007 es gerente general de la casa realizadora ADEMAS ARTE DIGITAL, dedicada a la dirección y producción de videos, animaciones y documentales.
Mariana se ha enfocado en la creación de video arte y documentales ambientales. Ha expuesto su trabajo en galerías, ferias y festivales, como el Robert Flaherty Film Festival, en Nueva York,  el festival iberoamericano de Video Arte en el Centro Cultural de España, o el DVD Project, proyecto de videoarte internacional del Centro Fundación Telefónica.


Inauguración               : 12 de JULIO del 2012  – 7:30pm.

Duración                    : Hasta el 25 de julio del 2012 .

Lugar                          : Vértice Galería de Arte
  Calle Ernesto Plascencia 350, San Isidro.

Horario                       : Lunes a viernes de 11:00 a.m. a 8:00 p.m. Refrigerio de 2 a 3pm. Sábados de 3 a 7:00 p.m.    INGRESO LIBRE

Vivienne Westwood: El Hada Madrina De La Alta Moda (O Las Locuras De Una Abuela Punk) por Cecilia Medo.



El resultado de cualquier búsqueda que se realice en internet tipeando el nombre de Vivienne Westwood, siempre estará asociado al Punk, del cual tanto hemos hablado últimamente, y –por supuesto- a la moda. Y s que Vivienne fue y es, ante todo, una gran diseñadora. Sus inicios se remontan a los lejanos años sesenta, cuando Vivienne Isabel Swire culminó sus estudios de arte en el Harrow School of Art y el Trent Park Collage, para luego trabajar como maestra en una escuelita, casarse con el señor Westwood, de quien tuvo a su  primer hijo, separarse de este, luego conocer y seducir a Malcolm McLaren, con quien tuvo una larga relación que dio dos frutos importantes: un hijo y  los Sex Pistols.

Westwood fue una de las responsables de la ropa que los jóvenes –y no tanto- rebeldes hacia fines de los 70 empezaron a usar, esa moda Punk y  New Wave que cambió la apariencia de todos en todo el planeta. Cuando ya estábamos hartos de pelos largos, jeans deslavados y acampanados y polos de colores pastel con frases bobas. La chocante estética que sirvió de catapulta a los facinerosos muchachitos que fueron los Sex Pistols, fue casi en su totalidad, creación de esta nada convencional señora inglesa, desde los cuarteles de sus tienda sde ropa, Let it rock, Too young to live, too fast to die, Sex, World’s End (siempre reinventando los conceptos de diseño y tendencias), mismas que fundó con McLaren.


 

 Nacida en 1941, para cuando la explosión Punk tuvo lugar, Vivienne era la más veterana de toda la pandilla punkie, y quizás una de las más osadas.  Elementos del S&M, pelos en punta y teñidos en colores imposibles, prendas hechas con materiales desechables, telas desteñidas, deshilachadas, el uso de plástico y látex, imperdibles, cadenas y collares para perros, esvásticas nazis, símbolos de anarquía, púas por doquier, candados, navajas y toda clase de materiales inflamables  -y punzo cortantes- formaron parte de la nueva moda que, a lo largo de toda la década de los 80 se filtró en todos nuestros guardarropas. Vivienne siempre fue extrema en sus postulados estéticos, llegando a ser temida en el negocio de la moda por su concepción tan radical de la misma, baste recordar que esta diseñadora se inspiraba no sólo en los símbolos nazis, sino que hallaba en la pornografía una gran fuente de creatividad.


 
Pero, finalmente el mundo asimiló la estética Punk, y tanto así, que Vivienne terminó siendo más que aceptada en el estrecho y exclusivo círculo de los fashion designers. Y tanto así que su obra ha sido expuesta -nada menos que- en el Victoria and Albert Museum,  su diseño de traje de novia fue lucido como una fatal Carrie Bradshaw (encarnada por la insufrible Sarah Jessica Parker), en “Sex & The City” I y, lo más impresionante, por su contribución a la alta moda británica, Vivienne fue nombrada Dama por la Casa Real Británica. Esto último constituye un absurdo milagro, pues fue precisamente Vivienne quien convirtió la imagen de la reina Isabell II en un auténtico icono Punk, objeto de burla y sátira permanente.


 


 
 En constante actividad, Westwood no deja de sorprender con su fértil y audaz imaginación, después de todo, lleva más de 30 años marcando la pauta de buena parte de la moda nacida en el epicentro mismo de un movimiento contracultural. Esta abuela sí que es de cuidado. ¡Dios salve a Vivienne Westwood!

Enlaces recomendados:  http://www.viviennewestwood.co.uk/  (sitio oficial, tienda virtual)

lunes, 25 de junio de 2012

Hartmut Esslinger


 
"My Work is about pushing the boundaries of creation"

Nacido en Altensteig (Alemania), en 1944
Hartmut Esslinger estudió ingeniería eléctrica en la Universidad de Stuttgart antes de estudiar diseño industrial en la Fachhonchschule in Schwäbisch Gmünd. En 1969 fundó su estudio de diseño industrial, Esslinger Design, en Altensteig. Su primer cliente fue la compañía eléctrica Wega Radio.
La posterior compra de Wega por Sony en 1975 introdujo a Esslinger en el mercado de consumo electrónico, en auge en Japón. Sus elegantes diseños, como su sistema de alta fidelidad Concept 51 K para Wega (1975), le otorgaron fama internacional y destacaron por su moderna estética. Al principio su trabajo parecía influído por el enfoque funcionalista del diseño defendido por Max Bill y Hans Gugelot en la Hochschufe für Gestaltung de Ulm. Sin embargo, estaba impulsado también por el rechazo de <los imperantes sentimientos modernos de la Alemania de los sesenta> y buscaba una <visión de lo que podría ser aún el diseño como oposición a lo que se ha establecido que es>. En 1982 Esslinger rebautizó su estudio con el nombre de Frogdesign (frog: siglas inglesas de la República Federal de Alemania) y abrió una oficina en Campbell, California, para satisfacer las necesidades diseñó de la floreciente industria informática de Silicon Valley. En 1984 diseñó el Apple Macintosh de color hueso para Apple Computer y redefinió los parámetros estéticos del ordenador personal. En 1986, Esslinger abrió una oficina en Tokyo, y en los años noventa fundó sucursales en los principales centros de tecnología, como <Silicon Pairie> en Austin, Texas, <Silicon Alley> en Nueva York, <Media Gulch> en San Francisco y <Silicon River> en Düsseldorf. Frogdesign ha diseñado cámaras, sintetizadores, prismáticos, equipos de comunicación y butacas de oficina para compañías como RCA, Kodak, Polaroid, Motorola, Seiko, Sony, Olympus, AT&T, AEG, König und Neurath, Erco, Villeroy & Boch, Rosenthal y Yamaha. Esslinger pretende humanizar la tecnología con formas esculturales o referencias visuales para crear productos de fácil manejo. Este diseñador de perspectiva internacional reconoce las <ventajas de reunir un equipo de trabajo asiático, la disciplina europea, la precisión alemana, el optimismo americano y la locura californiana> para formar una empresa única, creativa y multicultural.

John Galliano



John Galliano es un héroe de la moda inglesa. Nacido en 1960 en el seno de una familia de emigrantes de clase obrera, fue bautizado como Juan Carlos Antonio. Su madre es española y su padre, de Gibraltar, la colonia británica en la que John Galliano nació y vivió hasta lo seis años; después, la familia se instaló en South London. Pero esos orígenes, con sus ceremonias religiosas y su pintoresca y soleada cultura, han sido una inspiración constante para el creador; la tradición latina de vestirse elegantemente se ha convertido en su sello, y el electricismo, en su rúbrica. Al finalizar la eduación secundaria, Galliano obtiene una plaza en la Central Saint Martins, donde acaba su formación en 1984. Su colección de graduación – inspirada en la Revolución Francesa y denominada <Les Incroyables>- fue adquirida por Joan Burstein de Browns y lo catapultó a la fama. En 1990, dejando atrás un pasado salpicado de sonadas disputas con promotores financieros y unas colecciones consideradas poco comerciales porque se atrevían a desafiar todo lo convencional, Galliano empieza a presentar sus creaciones en París, y en 1992 se afinca en la capital francesa. Ferviente defensor de los cortes asimétricos y de la alta costura teatral de los años 50 en un contexto de dominio del minimalismo y el estilo <grunge>, su nominación a la sucesión de Hubert de Givenchy en la casa de alta costura epónima se anuncia en 1995. Esto marca el comienzo de la invasión inglesa de París y el relanzamiento de la alta costura. Dos temporadas más tarde, y después de haber obtenido en cuatro ocasiones el British Designer of the Year Awards, una proeza sin precedentes, Galliano ocupa el cargo de director creativo en Christian Dior, y presenta su primera colección de alta costura para la temporada primavera- verano 1997. A partir de esa fecha, Galliano ha insuflado nuevo vigor a la casa, tanto desde el punto de vista económico como creativo, al tiempo que ha recolocado la alta costura parisina en el lugar que te corresponde, a la vanguardia de la innovación. Galliano sigue diseñando y presentando las colecciones de su marca en París, y, respaldado por la poderosa firma LVMH, ha dado rienda suelta a su imaginación demostrando poseer una creatividad sin límites.

The Mothers of Invention | Freak Out (1996)



Sello discográfico | Verve
Producción | Tom Wilson
Dirección Artística | Jack Anesh
Nacionalidad | EEUU
Duración | 60:05

<No tomaba drogas.> Frank Zappa, 1989

La banda de Frank Zappa había sido conocida simplemente como The Mothers hasta que un nervioso productor se dio cuenta de lo que la compañía tenía entre manos con este estremecedor disco de presentación.
Cuando estaban a punto de sacar a la venta Freak Out!, el segundo disco doble de la historia del rock (el Blonde On Blonde de Dylan fue el primero), a los de la discográfica les entró el miedo al pensar que la burla del nombre del grupo tal vez asustase a los pinchadiscos. <Como si nuestro nombre fuese a ser El Gran Problema>, señaló  Zappa secamente en su autobiografía.
Surgido del corazón de la floreciente cultura freak de la Costa Oeste, y habiendo firmado con el productor Tom Wilson, Zappa y su banda se propusieron azotar las mentes con este álbum de debut. Es más, el disco respondía a una línea argumental: <Cada melodía tenía una función dentro del concepto satírico general>, dijo Zappa.


<Who Are The Brain Police?> resume dicho concepto con claridad: una queja espeluznante contra el autoritarismo que describe la mezcla de objetos y mentes parecidas. Por otra parte, algunos temas son obvias parodias de temas pop, como el pastiche <Go Cry On Somebody Else’s Shoulder>, yuxtapuestos a intrincadas cnaciones de amor como <How Could I Be Such A Fool?>.


 Las guitarras psicodélicas y los sucios riffs de blues empiezan a dejarse notar en la segunda parte del álbum: <Help, I’m A Rock< destila la esencia freak y hace que todo pareza abstracto;  <The Return Of The Son Of The Monster Magnet, la cara cuatro al completo en el disco de vinilo, es un tema experimental y ruidoso realmente impresionante.
La aparición de un compositor único desafiante con una carrera centrada en derribar fronteras 



viernes, 22 de junio de 2012

Bruce Nauman



Bruce Nauman es uno de los artistas conceptuales más importantes de los Estados Unidos de Norteamérica. Aunque recurrió muy a menudo a la fotografía y al film- especialmente entre 1967 y 1970- él sólo consideraba a esos medios como formas de documentación apropiadas para captar su <Body art>. Para Nauman, la fotografía representaba una interesante alternativa para los soportes tradicionales, pues ofrecía las ventajas de ser rápida, técnicamente simple y (todavía sin la carga que significan los prejuicios del mundo del arte.
Sus Estudios para hologramas de 1970, se basan sobre un film de 1967 titulado <thighing> (Muslo). El artista ya había realizado en 1968 una primera serie de hologramas proyectados sobre vidrio y titulada Haciendo muecas. En 1967, Nauman había dibujado cinco bocas humanas en posiciones no naturales, con el siguiente comentario:< Los dos labios vueltos hacia el exterior; boca abierta, labio superior estirado hacia abajo por el índice derecho; los dos labios esturados y tensos sobre los dientes – boca abierta. Como arriba, pero boca abierta. Los dos labios aplastados de costado por el pulgar y el índice de la mano derecha> En la serie de estudios para hologramas, Nauman deformó su rostro de una forma semejante, sometiéndolo a estiramientos y desfiguraciones extremas que desembocan en el absurdo; esos estudios evocan lo que me interesaba era hacer algo extremo>, declaró Nauman refiriéndose a esos trabajos. <Si sólo hubiera sonreído, no habría valido la pena tomar una fotografía. Me hubiera bastado simplemente anotar lo que había hecho. Hubiera podido confeccionar una lista de las cosas que se pueden hacer así. Pero existía el problema de los hologramas, que exigen tal fuerza de expresión que se corre el riesgo de no pensar en el aspecto técnico>
Nauman estudió en una serie de filmes el problema de la ocultación de sí mismo tras una máscara. El artista declaró a propósito del film <El arte make-up> (1967-1968): <El make-up> no se supone necesariamente anonimato, pero sí, de alguna manera, distorsión; algo detrás de los cual uno puede esconderse. No revela ni expone nada. A menudo, la tensión de la obra gira en torno de todo eso. Lo que no obtenemos, no lo obtenemos. Eso es todo.>


Se ha producido un error en este gadget.