Viviendo la posteridad


Ya estamos instalados en la posteridad. En cada pequeño acto de nuestra vida cotidiana, está la intención de dejar una pequeña huella, una marca. Por ejemplo, en el mensaje que dejamos en nuestra red social favorita, ese que todos leerán si nos morimos antes de desactivar la cuenta; en las fotos de la última fiesta o reunión, que colgamos presurosos y exhibicionistas. O en los blogs que llenamos con nuestras obsesiones preferidas.

Vivimos para una imaginaria posteridad, cuando menos podemos jugar a que esta existe, y tomar la delantera eternizándonos en mensajes, ideas y opiniones.

Por eso invitamos a quien lo desee, a dejar una huella en este espacio.


lunes, 27 de agosto de 2012

RoseMarie Trockel


1952 Schwerte, Alemania / reside y trabaja en Colonia, Alemania


< Por favor, no me hagas nada, pero rápidamente>



Las cuestiones que plantea la obra de Rosemarie Trockel son, cuanto menos, tan variadas como los materiales 

y técnicas que emplea. Sus videos, esculturas, assemblages, instalaciones, dibujos y fotografías tienen fundamentalmente como tema materias que trató durante sus estudios de antropología, sociología, teología, y matemáticas. Nuestra relación con el cuerpo humano, el papel de la mujer en la sociedad y nuestra postura en relación con el modo de tratar a los animales son algunos de los aspectos a los que recurre una y otra vez. Por ejempolo, no sólo ha hecho representaciones de animales en forma de dibujos y estatuas de bronce, sino también como instalación con animales vivos, como la <Haus für Schweine un Menschen> (casa para verdos y seremos humanos), su espectacular contribución- con Carsten Höller- a la documenta X de Kassel. Las pinturas puntillistas con que se dio a conocer a comienzos de los años ochenta y sus trabajos con placas de cocina no sólo son comentarios a la producción supuestamente femenina al arte, sino también pueden interpretarse como un enfrentamiento con el arte pop y minimal. Al emplear en sus cuadros emblemas como la marca de la lana, el conejo de Playboy o incluso cruces gamadas, cuestiona sutilmente la función de los símbolos y su significado en el arte. Las prendas de vestir de punto, los antifaces de los terroristas, las medias sobredimensionadas y los extraños jerseys son acotaciones artísticas al significado social de la moda y sus implicaciones frecuentemente restrictivas. Los trabajos de Trockel- que recuerdan ready-mades-siguen la tradición de Marcel Duchamp, de modo similar a las vitrinas con las que en ocasiones con un deje irónico, analiza las leyes inmanentes del mundo del arte.

Kraftwerk | Autobahn (1974)



<El Menschmaschine es nuestro concepto acústico, y somos una central energética: conectamos la electricidad, y empezamos a funcionar. Es feedback.>


Aunque se trata de su cuarto álbum, Autobahn es el auténtico punto de partida de kraftwerk según los fans e incluso la propia banda. Después de un estrepitoso comienzo bajo el nombre de Organisation y de sus siguientes discos, Kraftwerk 1 (grabado en 1971 con Michael Rother y Klaus Dinger, futuros miembros de Neu!) y kraftwerk 2 (1972), el dúo formado por Ralf Hütter y Florian Schneider comenzó a moverse lentamente hacia un sonido más racional y ordenado. En 1973, los únicos compañeros de grupo de Ralf y Florian eran colaborador Emil Schult y sus queridos juguetes electrónicos, incluido el Minimoog, lo último en tecnología por aquel entonces.


 Inspirada en los largos viajes de Düsseldorf, residencia de Kraftwerk, al estudio del ingeniero de sonido Conny Plank, en Colonia, la canción <Autobahn> marcó el alejamiento definitivo del grupo de la escena krautrock que les había dado cobijo con anterioridad. Con un arriesgado poso experimental, Autobahn es la representación musical de un viaje por carretera, aderezado e incluso un escueto barrido por el dial de la radio.
Impulsada por la batería electrónica casera de Wolfgang Flur ( en 1975 se le uniría el percusionista Karl Bartos, completando así la clásica formación de Kraftwerk), la canción inventa prácticamente el pop electrónico moderno. Aparte de la prescindible guitarra de Klaus Roeder y de la flauta de Schneider, el único vínculo con el pop tradicional es el curioso parecido que guardan las melodías vocales de Hütter y Schneider con los Beach Boys.
Por mucho que ahora suene pintoresco  y su sonido nos parezca relativamente rudimentario, este disco sigue presidiendo la línea que se encuentra entre el pasado y el futuro de la música pop.


viernes, 24 de agosto de 2012

Paul McCarthy



1945 Salt Lake City (Utah), EE UU / reside y trabaja en Los Angeles (California), EE UU


<El cine y la televisión me han producido siempre un sentimiento de fascinación, ppero nunca he querido ser parte de esa industria; me interesa más parodiarla y reírme de ella>

Desde finales de los años sesenta, Paul MacCarthy trabaja con toda una variedad de medios; su interés es la <pintura como acción>: la performance, la instalación, que forma el contexto espacial de sus acciones, y la cámara de video como un aparato que dirige la mirada (voyeurista) del observador. Con <Bavarian Kick> 1987, McCarthy amplió su repertorio formal con esculturas equipadas, en parte, con motor, que actúa en su lugar. En el centro de sus performances se encuentran conflictos o <dilemas> de (<Carter Replacemente Mannequin>, 1980), del ama de casa (<Mother Pig>, 1983) o también del artista (<Painter>, 1995). Las acciones de McCarthy, siempre de una fuerte carga sexual, son puestas en escena teatrales y drásticas de actos tabúes como el nacimiento y la muerte, el acto sexual, la sodomía y la masturbación. Remiten al orden familiar de tipo patriarcal como lugar de profundas perturbaciones: en <Bossy Burger>, 1991, o <Heidi> (con Mike Kelley, 1992). A diferencia del Activismo de Viena, con el que se suelen poner en relación las obras de McCarthy, no le interesa la autenticidad de los sentimientos reprimidos. Su materia es la influencia de las estructuras sociales y de los medios sobre el comportamiento  individual. El cuerpo es uno de los escenarios en los que se mezclan esas influencias. Sus puntos de referencia son los simulacros de un mundo feliz (o infeliz)= como Disneylandia, las películas de la serie B, las series de televisión y los cómics. Su empleo obsesivo de líquidos fabricados como kétchup o mayonesa como sustitutivo de los humores corporales marca el estado alienado hasta los tuétanos del individuo (norteamericano): McCarthy pone en escena situaciones sin solución, que reflejan las relaciones sociales de poder, para someterlas a sus devastaciones “de mal gusto”, simbólicas y tragicómicas.

Joy Division | Closer



Sello discográfico | Factory
Producción | Martín Hannett
Dirección artísitca | Peter Saville
Nacionalidad | Reino Unido
Duración | 44: 23

<Es casi como si al componer este álbum hubiese contribuido a su estado anímico: se sumergió en el…>


Veinticinco años después sigue siendo imposible separar la inquietante atmósfera de la música de Joy Division de la desintegración de la personalidad de su cantante y su muerte repentina. Aunque su debut de 1979 Unknown Pleasures asomaba la cabeza por el abismo, por entonces solo se trataba de música.
No así con Closer, Comparado con su violento y más convencional predecesor, Closer es un notable salto cualitativo. Las canciones se apartan de la fórmula de inspiración punk de los primeros años de la banda. Si parte de la oscura atmósfera de Unknown Pleasures procedía del empleo revolucionario de los efectos digitales del productor Martin Hnnett, aquí la música es extraña en sí misma: de los raros, marciales ritmos de <Colony> a las guitarras histéricas de <Atrocity Exhibition>. El añadido de sintetizadores (de forma notable en <Isolation> y <Heart And Soul>) ratifica que de haber continuado Curtis en la banda esta hubiese acabado sonando como New Order.


El ambiente que Hannett crea aquí es prácticamente un instrumento en sí mismo. Si antes abasteció de un background oscuro el asalto del grupo, aquí sus característicos tratamientos de ecos y reverberaciones constituyen parte del esqueleto de las canciones, llevándolas, de alguna manera, al punto máximo de desolación y contundencia de su tristeza.
Pero es en las tres canciones finales – la desesperada <Twenty Four Hours> y las derrotadas <The Eternal> y <Decades>- donde uno puede ver, con perspectiva, que no existía separación entre el tormento personal de Curtis y sus deprimentes letras. La lápida de la portada, pensada por el grupo tiempo antes del fallecimiento del cantante, puede ser una desafortunada coincidencia, pero se hace difícil interpretar este punto final en forma de disco como cualquier otra cosa que no sea una nota de suicidio. 


lunes, 20 de agosto de 2012

The Who | My Generation (1965)



 Sello discográfico | Brunswick
Producción | Shel Talmy
Dirección artística | No consta
Nacionalidad | Reino Unido
Duración | 36:13

<No queremos que nuestra música se entienda igual que nuestra actitud visual>


El primer álbum de los Who, que escuchado hoy evoca el espíritu de una especie de Carnaby Street de Londres que nunca existió, es sonido mod solo superficialmente, el movimiento al que se les ha asociado más a menudo.
En realidad, My Generation es el grito desesperado de una banda de jóvenes confusos, con problemas de identidad, explotados por las cuentas de la industria, y seguros de una sola cosa: tenían un potencial formidable y la habilidad para transformarlo en canciones aplastantes.
Después de haber cambiado de nombre hasta tres veces en otros tantos años, después de entradas y salidas por los motivos más variados, tras un par de cambios de sello y un single fallido (<I’m The Face>, compuesto por Pete Meaden y  editado en 1964, para intentar hacerles un hueco en la escena mod), Roger Daltrey, Pete Townshend, John Enteistle y el recién llegado Keith Moon vieron claro que su LP de debut iba a atraer la atención del mundo.


Y así fue. Tras asegurarse la producción por parte de Shel Talmy, que también trabajaba con los kinks y para el que Townshend adaptó <I Can’t Explain> usando el mismo patrón de acordes que los éxitos de los Kinks, la banda grabó un puñado de buenísimas canciones. Los momentos estelares son: obviamente <My Generation>, en la que Daltrey imita el tartamudeo de un adicto al speed en versos como el tan citado pero sucinto <Hope I die before I get old>, <I Don’t Mind>, en el que las suntuosas melodías de la voz de riff de guitarra eran la punta de lanza de toda una época; y el cuasi-himno de toda una generación, <The Kids Are Alright>, donde Townshend exhorta ( y no por última vez)  a la juventud.
Puede que los Who se convirtieran en una bestia mucho más sofisticada en discos posteriores, pero la crudeza de My generation lo señala como un álbum esencial. 


Mona Hatoum 1952



<Una obra de arte se experimenta primero físicamente. Los significados, las connotaciones y las asociaiones vienen después de la experiencia física inicial>


La biografía de Mona Hatoum, palestina de nacimiento,  ha ido tomando forma a partir de un doble exilio.
Creció en Beirut, la ciudad a la que huyeron sus padre en 1948 desde Palestina. Vivieron como extranjeros en el Libano y, en 1975, Hatoum viajó a Londres. Poco después, estalló la guerra civil en el Líbano y ya nunca puso regresar con su familia. Después de estudiar bellas artes durante seis años en Londres, se graduó en 1981 en la Slade School of Fine Arts, observando a distancia, pero cada vez con mayor preocupación, los conflictos políticos y religiosos de Oriente Medio. Reaccionó contra una masacre ocurrida en 1992 en la que murieron más de mil refugiados palestinos con una performance titulada The Negotiating Table (Mesa de Negociación). La artista se tapaba los ojos con una venda y después era envuelta en film transparente  y cubierta de vísceras sangrantes de animales. Estuvo así durante tres horas tendida sobre una mesa. Pero las víctimas no son tema de negociación: las sillas que había alrededor de la mesa estaban vacías.
Las irreconocibles reivindicaciones territoriales de israelíes y palestinos son aún la causa y el objeto de la violencia fundamentalista. Cuando Hatoum regresó a Oriente Medio en 1996 para preparar una exposición en la dividida Jerusalén, tenía el mapa del territorio muy claro. En el suelo de la galería colocó pastillas de jabón de aceite de oliva, un producto tradicional palestino, y trazó las disputadas fronteras de la región con cuentas de cristal rojas; los enclaves palestinos parecían un archipiélago diseminado. De todas formas, más que las líneas del mapa, era el olor familiar del jabón lo que traía recuerdos de la patria palestina. El título de la instalación, Present Tense (presente), expresaba el convencimiento de la artista de que las fronteras de un país no son eternas. Muy pronto haría la misma afirmación a escala global. En 1998, en la Kunsthalle Basel, trazó el contorno de los continentes con canicas de cristal, creando un mapa frágil que el menor temblor de tierra hubiera destruido.
El interés de Hatoum por la cartografía, que comparte con artistas como Alighiero Boetti, no es casual. Con la ayuda de los mapas se han hecho las guerras y se han colonizado continentes enteros. La artista trató este tema en Plotting Table (mesa de estrategias, 1998), obra en la que evocaba el tipo de mesa sobre la que se planean las  maniobras militares. En la instalación de Hatoum, el tablero d ela mesa estaba repleto de agujeros perforados a través de los cuales una luz fluorescente iluminaba el mapa desde debajo, sugiriendo que el escenario de las operaciones militares es el mundo. En la era poscolonial, el orden mundial de los poderes políticos ha cambiado constantemente: Hatoum lo reflejó en Continental Drift (Deriva continental, 2000) un mapa formado por limaduras de hierro sujetas a un brazo metálico giratorio que las mantenía en constante movimiento. 


lunes, 13 de agosto de 2012

Sarah Lucas




1962 Londres, Inglaterra / reside y trabaja en Londres.
 
<Es como en la <Fuga de Alcatraz>, debes conseguir una lima y aserrar las rejas. Tienes que tomar lo que se pueda, sirva o no. Cada quien tiene que encontrar la manera de escaparse de algo>


Sarah  Lucas se dio a conocer con sus collages de gran tamaño –compuestos de fotocopias y recortes de periódico -, en los que combinaba fotos de revistas de estos trabajos integró autorretratos, que a lo largo del tiempo se convirtieron en una especie de marca de sus obras. Lucas se fotografía en posturas supuestamente masculinas: sentada sobre una escalera con las piernas abiertas, vestida con una chaqueta de cuero y gafas de sol y unos zapatos bastos, o comiendo un plátano con una mirada equivoca. Los alimentos y artículos de la vida corriente- dispuestos en forma de naturalezas muertas- adquieren, en no pocas ocasiones, una connotación sexual, como es el caso de su <Couple Piece <Au Naturel>, 1994, frecuentemente mencionada: sobre un colchón aparece un pepino, con dos naranjas a sus lados, como contrapartida femenina, un cubo de chapa abollado y dos melones. Los trabajos de Lucas causan una impresión ruda, con una inmediatez agresiva cuando trata temas como el sexismo o la violencia a través de imágenes disparatadas y estrafalarias. A comienzos de su carrera estuvo considerada como la artista feminista; sin embargo, sus instalaciones <Is Suidice Genetic?>, 1996, o <Car Park> 1997, demuestran también su interés por otras cuestiones socialmente relevantes como la investigación genética o la investigación de las causas sociales de vandalismo. En una entrevista, Lucas dijo que, para ella, su trabajo es una posibilidad de describir el mundo. Con su gran variedad de temas intenta hacer justicia a esa aspiración. 


Röyksopp | Melody A.M. (2001)


Sello discográfico | Wall Of Sound
Producción | Ole J. Mjos · Röyksopp
Dirección artística | Tom Hingston Studio · Röyksopp
Nacionalidad | Noruega
Duración | 45:58

<Los ingleses dicen “ Rouksoup” y los franceses “Rueksupé”.
Es un buen nombre…, mejor que… “Jodidos Bastardos” o algo por el estilo>


Los habituales y cansinos mantras – no hay nuevas grandes canciones, el dance y la música electrónica son pura repetición machacona, etc. – se evaporaron con la delicia digital, pegadiza y seductora, que es <Eple>, el primer single de Melody A.M., que dio el pitido de salida del nuevo siglo para muchos de nosotros. Se extendió  por los clubes underground de Europa hasta llegar a un público más amplio: felizmente ubicuo en el iPod, anuncios de la tele, cuñas de radio, hilos musicales… aparentemente desde la nada.
¿ Y de qué van poniéndose a la banda ese nombre? <De hecho, una banda nunca se debería llamar Röyksopp…>, admitió Svein Berge en referencia al fenómeno musical que había creado junto a su cómplice musical Torbjorn Brundtland. Pese a ello, este álbum de debut ha vendido hasta la fecha más de 750.000 copias en todo el mundo (400.000 en el Reino Unido), y se mantuvo en las listas durante dos años consecutivos.


Los dos hombres se obsesionaron con la composición electrónica durante sus años de adolescencia en Tromso –en pleno círculo polar ártico-en los 90. Entre sus influencias, destacaban a Eric Satie, Francis Lai (un maestro de las bandas sonoras del porno artístico) y Portishead. Pero su gracia reside en las melodías inolvidables y el control total de la paleta electrónica, desde los tonos mas sutiles y los ritmos más bailables hasta la imponente simetría de sus arreglos. Todos los colaboradores al micrófono tienen una voz apesadumbrada y exquisita que se suma a la vulnerabilidad y humanidad que el dúo inyecta a su música.
Gente como Moby, Pulp y Orbital aplaudió esta obra lo cual ayudó a consolidar la popularidad de Röyksopp (en 2003 hicieron de teloneros de los últimos en una gira estadounidense en la que se agotaron todas las entradas).
Queda por ver si este es el primero de una maravillosa serie de álbumes o si es una pieza única.




viernes, 10 de agosto de 2012

Mariko Mori




1967 en Tokio (Japón); vive y trabaja en Tokio y Nueva York (EE.UU)

<Mi obra es una revelación del pensamiento.
Me encanta transmitir los ademanes esotéricos a través del mundo interior>


Visiones pictóricas sintéticas entre el ayer y el mañana
 Igual que muchos artistas de hoy día, la artista multimedia Mariko Mori vive en dos mundos: su ciudad natal es Tokio y la que ella ha escogido, Nueva York.  Sus representaciones y diseños de moda, videos y fotografías reflejan el contraste entre el viejo y el nuevo mundo, entre Oriente y Occidente, sintetizando los dos mundos en visiones hiperrealistas.  Visiones que no sólo incluyen el budismo y sintoísmo japoneses sino también las últimas tecnologías, el tratamiento digital de imágenes, la ciencia ficción, la música tecno y la neo-pop, los cómics y la publicidad.
En sus primeros trabajos fotográficos, ella misma posa como una cyborg (mujer biónica) vestida con un flamante traje plateado hi-tech, rodeada de japoneses de la vida cotidiana de su mundo y, sin embargo, aislada: en un vagón de metro que, debido al encuadre de la fotografía, hace pensar en un ovni (Subway [Metro]), 1994); delante de un edificio de oficinas, donde ofrece té a los ejecutivos que pasan (tea Ceremony III [Ceremonia del té III), 1995), o como mezcla de muñeca Barbie y las mujeres mecánicas de Fritz Lang en Metrópolis, en una sala de juegos de pachinko (Play with me [Juega conmigo], 1994)
La instalación fotográfica en tres dimensiones Birth of a Star (el nacimiento de una estrella, 1995) marcó un cambio de sentido en su obra. Mori se presentaba a sí misma, sola ante n fondo blanco, mientras pelotas de alegres colores flotaban alrededor como estrellas. Se presenta con unos enormes auriculares, minifalda y medias de plástico como si se tratara de una estrella pop, creada por ordenador con un look que mezcla los años setenta y noventa. Dos lazos amarillos de plástico colocados en los hombros a modo de alas recuerdan la figura de un ángel como intermediario entre el cielo e infierno. Desde entonces, sus enormes fotografías en color y sus videos han sido producidos por un equipo de 8 a 19 socios y numerosos esponsors
<Miko no inori>
Las superproducciones de Mori necesitan de especialistas en vestuario y joyas, estilistas, peluqueros y maquilladores artísticos, técnicos, iluminadores y un equipo de filmación, expertos en composición, sonido, animación y diseño por ordenador, para crear un perfecto montaje pictórico. Mariko es la directora, dramaturga, cantante y actriz principal de sus fotografías, videos y representaciones. Y de forma tan perfecta como la presentación, cada elemento visual o acción cinemática están trabajados en distintas fases. La artista integra completamente los nuevos mundos visuales, oscilando entre pasado, presente y futuro, sueño y ficción, tradición y modernidad, religión, naturaleza y tecnología, profundidad y humor con su propio ciber-realismo. Mezcla y unifica contrastes cuyos límites oscilan con fluidez  en las composiciones. Manipula, sintetiza y armoniza con el deseo de crear un mundo mejor al otro lado, aunque sin ningún tono crítico, porque su misión es describir la iluminación  en el nirvana. El budismo cree en la reencarnación y en un estado de paz bendita. Las visiones pictóricas de Mori convierten las posibilidades del mañana en la realidad del hoy.
Vestida con un flamante vestido blanco y rosado y puntiagudas alas de plástico angelicales, espera en un aeropuerto japonés con una bola de cristal en la mano. En sus ojos aparecen rayos de luz cuando mira a la bola de cristal, es decir, al futuro. Este video titulado Mirko no inori (1966) parece ser programático de toda su obra, en la que pone todo su empeño en unificar su arte y su filosofía, su religión y sus visiones mágico-espirituales.
<Kumano>
En la fotografía Kumano, realizada dos años después, Mori paece haber encontrado su futuro autorretrato. A la izquierda de la imagen, se encuentra ella arrodillada ante un puente rojo, como los que pueden verse en los templos japoneses. Con un tocado hecho con perlas y telas preciosas, es la encarnación del Japón tradicional. Al fondo surge una cascada entre los árboles. A la derecha de la fotografía, Mori está de pie ante un templo poligonal de aspecto futurista, el Dream Temple (el templo de los sueños), cuya forma es una reminiscencia de las antiguas tradiciones arquitectónicas japonesas. Su figura es casi trasparente, hasta tal punto se trata de una difuminada aparición virtual del futuro. E incluso ella, como si estuviera envuelta en brumas o en una luz resplandeciente, se muestra casi incorpórea o todavía no palpable. Las dos escenas están conectadas por el mismo fondo de bosque y los antiguos caracteres escritos en la parte superior, pintados en la superficie de la fotografía.
<Dream temple>
En su ultimo trabajo, Dream temple (el templo de los sueños, 1999), Mori tomó el templo digital de Kumano y lo llevó más allá transformándolo en un verdadero <Gesamtkunstwerk> y obra de arte total. Es este su proyecto más multidisciplinar hasta la fecha, en el combina arquitectura, diseño gráfico por ordenador, efectos tridimensionales y un sistema de visualización en cúpula y de realidad virtual para explorar la naturaleza de la consciencia humana. Con un diámetro de 10 m y una altura de  5 m, el octogonal Dream Temple está formado por cristal ordinario y dicroico  cuya superficie ligeramente brillante e iridiscente cambia con la luz. Está basado en el templo Yumedono de Nara, construido en el siglo VIII para albergar la estatua de Bodhisattva en una atmósfera meditativa. El templo de Mori, evidentemente, carece de divinidad, cuyo lugar es ocupado por el espectador que penetra en el edificio central para descubrirse a sí mismo en una proyección de video total, en la que las imágenes abstractas de cuerpos astrales se convierten en imágenes de germinación  y crecimiento. Y precisamente a causa de la perfecta manipulación y presentación de Mori, que al mismo tiempo hace pensar en la ingeniería genética y combina lo real con futuristas utopías oníricas, el término <surrealismo cyborg>- acuñado por Donna J. Haraway- parece aplicable a la obra de Mariko Mori.



Prince and the Revolution | Purple Rain (1984)




Sello discográfico | Warner Bros.
Producción | Prince And The Revolution
Dirección artistica | Prince
Nacionalidad | EE UU.
Duración | 43: 50

< Ojalá la gente pudiese entender que siempre creí que era malo.>



A pesar de haberse acercado bastante con Sing Of The Times, de 1987, o con Slave. The Purple One, Squiggle o siendo el artista antes conocido como Prince, Rogers Nelson nunca ha mejorado lo que hizo en 1984 con Purple Rain. En un momento en el que el planeta pop esperaba la llegada del segundo disco de la marimacho Madonna, y el Thriller de Michael Jackson (aparecido dos años antes) seguía engullendo todo lo que pillaba a su paso, las primeras reseñas menospreciaron Purple Rain afirmando que era unabanda sonora sin temas destacados. <Es como un pequeño Corvette de color rojo>, se burlaron en Rolling Stone. Sin embargo, la banda sonora sobre la fábula semiautobiográfica de Prince – un jovencito alienado proveniente de una familia humilde y disfuncional que se refugia en su música- demostró ser la declaración pop màs completa de Prince. Vendió 14 millones de copias en todo el mundo, logró que cinco singles entrasen en el Top 10 (incluidos dos nº1) y le transformó de estrella sexual a icono extraordinario. 


La clave del éxito de Purple Rain fue la mezcla de géneros de su sonido. Se apartó del funk con sintetizadores  y se dio a conocer como hibrido del nuevo rock, pop y soul, incorporando estridentes guitarras sobre ritmos mecánicos de batería, como en <When Doves Cry> y <Computer Blue>. El tema que da título al álbum- por difícil que resulte creerlo- fue un intento de Prince de componer un country-rock al estilo Bob Seger.
Prince sabía que no llegaría  al gran público a menos que redujese la naturaleza escandalosa de sus letras.
A pesar de todo, no pudo evitar incluir <Darling Nikki> (retrato de una comehombres que se masturba mirando revistas). Prince encontró de nuevo un sitio en los libros de historia, convirtiéndose en responsable casi directo de la aparición de los adhesivos de lso discos con advertencias a los padres.


miércoles, 8 de agosto de 2012

TELA ARTE MODA Olga Engelmann



 Olga Engelmann reinterpreta el diseño precolombino en prendas cotidianas que apelan a nuestra memoria colectiva. Un vintage visual que se recrea en blusas con un  print Nazca-Temprano o un print Wari. La inauguración contará con un desfile de piezas únicas hechas a mano en el atelier de la artista, y contará con la presencia de reconocidas fashionbloggers como Lorena Salmón y Adriana Seminario.


En “Tela Arte Moda” la artista plantea nuevos caminos para la técnica del grabado, pero desde los códigos de vestimenta actuales. Acercar el arte a la vida cotidiana es el objetivo principal de esta exposición que además resalta esa unión simbiótica con los textiles en las que la artista ha encontrado un común denominador entre el arte y la moda. Engelmann propone una perspectiva personal al utilizar la estética precolombina para mostrarlas grabadas en prendas-imágenes que reinterpretan los diseños del Perú antiguo. Así podremos encontrar una indumentaria cuyo vintage visual se recrea en blusas con un print Nazca del período Temprano o un print Wari. Se trata pues de una exposición que quiere brindar a las nuevas generaciones un feedback visual que apela a su memoria colectiva e individual, a través de medios reconocibles y comunes para ellos como son la moda y el grabado.

Esta nueva muestra es la continuación de su búsqueda ya iniciada en proyectos como “Soluciones visuales” (2004) o “Folk” (2005) en las que utilizó imágenes cotidianas, como el maíz, la moneda de un nuevo sol, algunos símbolos patrios y frases alusivas que replanteaban la idea de lo nacional. Una reapropiación de imágenes que contribuyen para estetizar nuestra cotidianeidad.

Olga Engelmann (1979) es Bachiller en Arte con mención en Grabado por la PUCP. Taller de Grabado (litografía) en la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú, Workshop Print Maker en Texas Christian University - Forth Worth (EEUU.). Curso de Patronaje en Moda con Sofía Cenzano. Ha merecido importantes distinciones como ser Ganadora del Premio Adolfo Winternitz otorgado por la PUCP a la mejor alumna de la promoción en la Especialidad de Grabado (1999, 2000 y 2001), Premio de Especialización en grabado Jaime Chávez (2002), Premio Condeso por el primer lugar de la promoción de egresados en la Especialidad de Grabado (2001), Segundo Premio (2006) y Mención honrosa (2008) en el Salón Nacional de Grabado, ICPNA.

Entre sus últimas individuales se encuentran "Soluciones Visuales a los Problemas Sociales" video instalación en Centro Fundación Telefónica (2008), "Tecnologías Modernas al rescate de las formas tradicionales" El CARGUYOC línea de productos textiles con pobladores de Pampamarca y Marcia Lagos (Apurímac 2007). Participó en la I Bienal Iberoamericana de Diseño BID 2008 en Madrid  (Diseño Textil), I Bienal Iberoamericana del BRONX 2008 en New York (Artes Visuales), DVD Proyect 2008 (Video) en Alemania, España, Holanda, México y Portugal. Finalista de FLASH MODE de la Alianza Francesa de Lima, 2005-2006-2007 con Performance de Diseño de Moda PLK. Print Maker Creative, productora y diseñadora de PLK, marca de prendas de vestir hechas en serigrafía.

Pink Floyd | The Piper At The Gates Of Dawn (1967)



Sello discográfico | Columbia
Producción | Norman Smith
Dirección artística | Syd Barret
Nacionalidad | Reino Unido
Duración | 41:52

<No creo que resulte sencillo hablar conmigo. Mi mente es muy irregular>

Como grupo residente del club UFO a mediados de los 60,  Pink Floyd emprendieron una revolución musical psicodélica en Londres que rivalizaba con la que The Grateful Dead realizaron en San Francisco. Pese a su engañoso nombre – tomado de los bluesmen Pink Anderson y Floyd Council-, Pink Floyd no era un grupo de hippies andrajosos que tocaban música negra, sino una banda de estudiantes de arquitectura y arte vestidos a la moda en busca de su propio sonido. The Piper  At The Gates Of Dawn  alcanzó ese objetivo con fascinantes resultados.


El éxito del álbum es consecuencia de lo bien que el grupo equilibraba la exploración sonora de sus actuaciones con la técnica de composición que hay detrás de éxitos como <Arnold Layne> y <See Emily Play>. Nadie escribía singles  psicodélicos mejor que Syd barrett.
Incluso la odisea espacial del comienzo, <Astronomy Domine> giraba en torno a una estructura pop familiar. Sin embargo, es evidente que el compositor estaba luchando por controlar la música, así como su mente, mientras el bajista Roger Waters, el pianista Richard Wright y el baterista Nick Mason impulsaban el viaje espacial. Es esa tensión la que hace que la barroca <Matilda Mother> y la jazzística <Pow R Toc H> resulten tan efectivas. La pieza central del disco es el viaje en cohete de diez minutos de duración <Interstellar Overdrive>, que contiene la mejor interpretación de guitarra de la banda antes de la inclusión de 
David Gilmoore.


Poco después el grupo perdió a Barrett a causa de una crisis nerviosa e incorporó como líder a David Gilmore.
Waters se convirtió en la fuerza creativa y alimentó la fascinación por la banda con unos ciclos de canciones conceptuales. Pink Floyd lograría costas mayores de éxito comercial y artístico, particularmente en Dark Side Of The Moon, pero con The Piper… consiguieron capturar la esencia de la psicodelia de los 60 perfectamente.


Ricardo Benaim Portales y Umbrales de Agua


Patrick Tschudi COMÚN DENOMINADOR



El jueves 9 de agosto de 2012, el artista presentará COMÚN DENOMINADOR, en la Sala de Proyectos de la Galería Lucía de la Puente.


Patrick Tschudi, tras vivir los últimos 10 años en Suiza, presenta por primera vez en Lima una exhibición individual. En esta muestra, según el Emilio Tarazona, crítico y curador, Tschudi “…reelabora con una dosis de ironía y humor, la forma esquemática en que las personas irrumpen en las señalizaciones. Agazapada en su simplicidad, estas se han vuelto una sofisticada tecnología de poder, muy eficaz en la tarea en la que se desvelan las hegemonías y los gobiernos modernos: la conducción de la conducta. Se trata de formatos, modelos y maneras de marcar límites claros entre lo imperativo, lo permitido y aquello que otras veces resulta inadmisible, consolidando un dispositivo de regulación y control del comportamiento social en casi todo espacio compartido”.
“…Común denominador: así como los individuos, las siluetas que en sus imágenes parecen, en ocasiones insinuar una personalidad, una historia privada o una vida autónoma, son absorbidas por una normalización de la que difícilmente pueden sacudirse. El referente norteamericano utilizado es aquí incidental (las residencias que aparecen ofrecidas para compra o renta con fotografías tomadas de la red, proceden de diferentes estados del país del norte: Nebraska, Kentucky, Alabama, Oregon, Florida…)…” agrega Tarazona.
Los pictogramas utilizados por el artista son por tanto, exposición de esa hegemonía a la que el tipo de economía ha sometido a la sociedad, dura crítica a la sociedad de consumo mal entendida como riqueza, la sociedad se condena a un estilo de vida único parametrado.
Patrick Tschudi (Lima-Perú, 1973)  es Licenciado en Artes Plásticas, especialización Pintura, de la Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima-Perú. Cuenta también con un Diploma en Artes Visuales, ESBA - École Supérieure des Beaux Arts, Ginebra-Suiza, y un Postgrado en Arte y Nuevos Medios, HEAD - Haute École d’Art et de Design, Ginebra-Suiza.
Ha realizado una serie de exposiciones individuales tales como “Swarming”, Galerie Alex Schlesinger, Zurich-Suiza, 2011; “Patrick Tschudi”, Galerie Laleh June, Basilea-Suiza, 2009; “Dark hollow”, Galerie Alex Schlesinger, Zurich-Suiza, 2009; “No place like home”, Digital Art, Rödermark-Alemania, 2008; “Nowhereland, Galerie Alex Schlesinger, Zurich-Suiza, 2007; “Signs, artenîle”, Ginebra-Suiza, 2006.
Además de numerosas exposiciones colectivas, algunas como: Festival Empreintes Numériques, Toulouse-Francia, 2009; Biennale d’art contemporain de Cahors, Cahors-Francia, 2009; Mapping Festival, Centre d’Art Contemporain, Ginebra- Suiza, 2008; Cbox, Centre National des Arts Plastiques, Lyon-Frncia, 2007; Festival Pocket films, Centre Pompidou, Paris-Francia, 2006, Jet d’eau, Kunsthalle Palazzo, Basilea-Suiza, entre otras.

AGRADECEMOS SU DIFUSIÓN
Patrick Tschudi
COMÚN DENOMINADOR

Sala de Proyectos, segundo piso
Inauguración: jueves 9 de agosto de 2012, 7:30 pm
Del 10 de agosto al 8 de setiembre de 2012
Paseo Sáenz Peña 206 A, Barranco. Lima – Perú
Tel. (511) 4779740 / (511) 4770237

Joaquín Liébana KAOS (la gente está en conflicto)



 El jueves 9 de agosto de 2012, el artista Joaquín Liébana presentará KAOS (la gente está en conflicto) su más reciente trabajo en las Salas I y II de la Galería Lucía de la Puente.


Escultor, dibujante y pintor, la obra de Joaquín Liébana está compuesta por tótems, personajes, perfiles, siluetas y objetos de mediano y gran formato, los que reflejan su versatilidad en el manejo de distintos materiales como el acero, la madera, la piedra y el cemento.
El trabajo de Liébana nace del dibujo que se cala. Nos presenta perfiles, planos y frentes, que al inter-seccionarse generan la sensación de volumen. Sus esculturas responden a un estado emocional, búsqueda de transparencia, juega con la luz y el reflejo de estas, y crea una ligereza visual, a pesar de lo imponente de sus tamaños, en la mayoría de estas.

El artista reflexiona sobre el desorden y desorientación social actual, los conflictos en las relaciones interpersonales, pero en el proceso de creación le es inevitable agregar una cierta dosis de humor y sentido lúdico, muy propios y característicos. Según Liébana “en la escultura lo que ya hiciste (avanzaste) a veces no hay modo de corregirlo”, y eso le obliga a dar todo de sí desde el inicio. Agrega que cada uno de los trabajos que hace y ha hecho, siempre le sorprenden, ya que no sabe que va a obtener al final. Percibe a la escultura como un niño que va creciendo, que en un punto empieza a transformarse por sí mismo.


Joaquín Liébana (Lima-Perú, 1975) estudió en la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Católica del Perú, donde obtuvo el Primer Premio a la crítica en Escultura en el 2001. Posteriormente en 2003 viaja a Escocia para realizar sus estudios de Maestría en Bellas Artes en la Heriot Watt University/ECA Edinburgh, College of Art, seguida de una Beca en Edinburgh Sculpture Workshop hasta el 2004. Ha obtenido premios como “Premio a la Escultura Urbana para espacios públicos Peter & Adriana Hobart”, Universidad Ricardo Palma, Lima-Perú, 2008; Premio UNESCO, 2008; Primer Premio de Luis Hochschild Plaut CADE, 2000-2001; Primer Premio IV Salón de Escultura ICPNA, 2001, entre otros.
Ha presentado diversas exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional, entre ellas, “15 años de Lucia de la Puente en la Galería Lucía de la Puente”, Lima-Perú, 2010; Peter & Adriana Horbart exposición de finalistas de Concurso para Esculturas en un Espacio Público, 2008; en el Museo de Arte del Centro Cultural de San Marcos, Lima-Perú, 2007; en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sivori, Buenos Aires-Argentina, 2007; “Autorretratos” en el Museo de Arte de San Marcos, Lima-Perú, 2007; “Jardín de las Esculturas” en el Museo de Arte Contemporáneo, Lima-Perú, 2006.


AGRADECEMOS SU DIFUSIÓN

Joaquín Liébana
KAOS (la gente está en conflicto)
Salas I y II, primer piso
Inauguración: jueves 9 de agosto de 2012, 7:30 pm
Del 10 de agosto al 8 de setiembre de 2012
Paseo Sáenz Peña 206 A, Barranco. Lima – Perú
Tel. (511) 4779740 / (511) 4770237

RAYMOND PETTIBON



1957 Tucson (Arizona), EE UU / reside y trabaja en Hermosa Beach (California), EE UU

<Nunca he pensado en la posibilidad de que la gente vea mi obra esperando encontrar algún significado definitivo, porque no es mi intención>


Los dibujos ilustrativos a la tinta de Raymond Pettibon, sus videos, libros y pinturas murales sn puestas en escena de un complejo proceso de pensamiento y de una relación a la realidad de igual complejidad. Las extensas ramificaciones de los innumerables dibujos de Pettibon se escapan a un lógica en la pared, muy juntos, unos encima de otros, su presentación subraya la impresión de estar inacabados. 
Pettibon combina, de un modo muy personal, citas de escritores  como Henry James o Marcel Proust y textos propios con motivos de la vida diaria en la costa occidental de Estados Unidos, de la política, de los medios, de los cómics, del cine, del negocio del arte y de los movimientos hippie y punk: una interpretación fragmentaria, de libre asociación y en parte contradictoria de la realidad. Sobre todo sus videos de los años 1988/89- <Weathermen>, <The Book of Manson>, <Sir Drone> y <Citizen Tania>- hacen comentarios agudos de las cuestiones políticas y de la subcultura. Según él, las utopías de los años sesenta terminaron en violencia, p. ej. En los asesinatos de Charles Manson; son éstos temas y figuras muy recurrentes en los dibujos en blanco y negro- de fuertes contrastes en su mayoría- de Pettibon. Al igual también esas referencias sirven de material literario para un tratamiento obsesivo de la realidad que incluye tanto cambios drásticos de estados de ánimo como humor negro y un cierto escepticismo. Cuando, en un dibujo de 1991, el texto anuncia que va integrar su <pobre y pequeño ismo fragmentario> en un lenguaje figurativo más amplio, no responde necesariamente a la intención del artista: es una de las muchas voces que se hacen oír en las pinturas de Pettibon.

lunes, 6 de agosto de 2012

LIMA PHOTO 2012

Estimados amigos,


Tenemos el agrado de invitarlos a la inauguración de la feria internacional de fotografia y video arte del Perú LIMA PHOTO 2012, donde la Galeria 80m2 Livia Benavides estará exhibiendo a sus artistas.


Participan:
Daniela Ortiz de Zevallos, Santiago Roose, Alfredo Márquez, Luz María Bedoya, Arturo Kameya, Gianfranco Piazzini.


La cita es el próximo miércoles 8 de agosto en el Centro de la Imagen, Av. 28 de julio 815 Miraflores. Estará abierta al público hasta el domingo 12 de agosto de 2 a 9 pm.


Aquí algunas obras que exhibiremos:
 


 

HOMO LUDENS/URBE LUDENS


Inauguración           : miércoles 05 de setiembre del 2012  – 7:30pm.
Duración                   : Hasta el 24 de setiembre del 2012 .
Lugar                         : Centro Cultural El Olivar
                                     Calle La República 455, El Olivar – San Isidro.
 INGRESO LIBRE

Esta exposición colectiva reúne a 20 destacados artistas peruanos quienes presentan sus impresiones acerca de la función del juego en la sociedad, tanto para los niños como para los adultos; así como la relación entre el juego con la creatividad y el arte.
Más que una actividad cotidiana, el juego construye un espacio de creación, un lugar o momento en el que podemos explorar e inventar. Todas las personas jugamos, sin importar a qué juguemos, buscamos esos momentos de diversión que rompen la rutina de las normas sociales y deberes que aún los más pequeños deben observar para formar parte de un grupo humano.
Así como el juego es un espacio único de creatividad para el ser humano, el arte se constituye, de alguna manera, en un mundo creado donde encontramos objetos con los que interactuar (las obras de arte), los que nos plantean sus propias reglas.
Si bien el juego siempre ha existido y es inherente al desarrollo humano, hoy en día más que nunca, ese espacio de solaz se vive como un imperativo de orden social. En esta exposición podremos observar una revisión de este tema desde diversas disciplinas artísticas; arte y juego imbricados ante el espectador.


HOMO LUDENS/URBE LUDENS es una exposición colectiva gestionada por Vértice Galería de Arte, bajo la curaduría de Rosario Orjeda, con el fin de apoyar las actividades de arte contemporáneo en el Centro Cultural El Olivar  de la Municipalidad de San Isidro.




1 Sonia Cunliffe
2 Rocio Gomez
3 Daniel Benaim
4 Andres Chavez Alcorta  
5 Patricia Gygax
6 Stella Watmought
7 Federico Romero
8 Magaly Sanchez
9 Alejandra Devescovi
10 Alessandra Rebagliati  

11 Rossana Lopez Guerra 
12 Ana Cecilia Farah
13  Solange Jacobs 
14 Daniella Muttini
15 Andres Miroquesada
16 Katherinne Fiedler
17 Muss Hernandez 
18 Pablo Llona
19 Renzo Giraldo 
20 Beatrice Velarde 

NO SE GANA, PERO SE GOZA Liliana Ávalos


La artista Liliana Ávalos registra la otra cara del hogar y nos muestra el día a día de los caseritos y caseritas, a través de serigrafías  basadas en sus propias fotografías pero a los que le impone color y algo de ternura. En suma, un conjunto de grabados sobre papel y otras piezas “apachurrables”.

En “No se gana, pero se goza” la artista nos ofrece un insólito recorrido por la ciudad de Lima, habiendo encontrado un imaginario a reivindicar en el diario quehacer y sobrevivencia del trabajador ambulante. “Es por ello que la artista no duda en apoyarse de su cámara fotográfica para captar los intricados códigos que median los intercambios de productos que se suscitan en los mercados de su entorno”, afirma César Ramos. Esas primeras fotografías han sido luego intervenidas en sus serigrafías para imponerle color y algo de ternura. Así, aparecen en la muestra el cantante, el pintor, el vendedor de caldo de mote, el vendedor de globos, entre otros.

Desde su posición de artista plástica, Liliana Ávalos recompone su mundo privado al hacer más amable el encierro y las horas de trabajo que suponen ser un ama de casa. La calle no ha estado exenta de la mirada de esta artista: ya la ha fotografiado antes como en las Caseritas de Valdivieso. Así, en “No se gana, pero se goza”, Ávalos explora otra vez ese camino y privilegia al sujeto de la calle. Jugando con los tonos chicha propios del lugar en el que vive (el Cono Norte), buscando suavizar la rudeza del trabajo en la calle, pero también evidenciar el proceso a través del color, el punto en el que el artista se siente medianamente satisfecho con su producto final, en palabras de la escritora Victoria Guerrero.

Liliana Ávalos (1974) es egresada en Pintura de la Escuela Nacional de Bellas Artes. Primer Premio en VII concurso Paisaje Urbano Winsor & Newton y ENSABAP 1998 y seleccionada en importantes concursos como el VII Salón Nacional de pintura, ICPNA, Concurso internacional Something Special 2004, entre otros. En 2001 presentó su primera individual “De Ocasión” en el Espacio Arte de Euroidiomas, en 2004 la bipersonal “Línea blanca. Avalos/Orbegoso en Centro Cultural Ricardo Palma y en 2010 su última individual “El hogar como patria” en Bruno Gallery.

Entre sus colectivas internacionales “Arquitecturas Imaginarias de Emilio Westphalen” en Centro de Arte Moderno de Madrid - España, II Bienal de Arte Hispano. Bronx. Nueva York – USA 2010, “Arte peruano Contemporáneo” en Galería Felipe S. Gutiérrez de la UNAM en Québec, Canadá 2005. , I Muestra de Arte Latinoamericano en Galería del Ayuntamiento de Castelldefels en Barcelona, España 2002.

Se ha producido un error en este gadget.