Viviendo la posteridad


Ya estamos instalados en la posteridad. En cada pequeño acto de nuestra vida cotidiana, está la intención de dejar una pequeña huella, una marca. Por ejemplo, en el mensaje que dejamos en nuestra red social favorita, ese que todos leerán si nos morimos antes de desactivar la cuenta; en las fotos de la última fiesta o reunión, que colgamos presurosos y exhibicionistas. O en los blogs que llenamos con nuestras obsesiones preferidas.

Vivimos para una imaginaria posteridad, cuando menos podemos jugar a que esta existe, y tomar la delantera eternizándonos en mensajes, ideas y opiniones.

Por eso invitamos a quien lo desee, a dejar una huella en este espacio.


viernes, 26 de octubre de 2012

Federico Herrero



1978. San José, Costa Rica.


Para Federico Herrero no existe un soporte único para la pintura – ni sólo la tela, ni sólo el trabajo de estudio, ni solamente el objeto adquirible. Su trabajo oscila entre telas de formatos diversos, hasta intervenciones en pisos, muros y techos de galerías o museos, bordes de las aceras, piscinas – el mundo entero se le presenta como un lienzo inacabable sobre el cual se divierte pintando para establecer con él una comunicación. Sus figuras de pensamiento parecen materializarse en lugares inéditos a partir de su propia percepción de la realidad visual y material. Se define como “paisajista”, sin tender a la representación de algo en particular ni asumir un simple ejercicio formal. Ser pintor para Herrero es ejercer un placer, que enfoca desde varias perspectivas: sus telas se alteran con intervenciones públicas discretas, siempre concebidas desde el lugar de la pintura, y de ésta como servicio público.
Pintar los muros de los servicios sanitarios del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica en el 2002, o un mapamundi en una piscina comunitaria en la Habana fueron otros de esos servicios que disfruta realizando, como también remozar la pintura amarilla de los bordes de calles. Le obsesionan los entornos anodinos y los detalles aparentemente normales y corrientes e la ciudad, pero que son los que denotan características socio-económicas: alrededor del 2000 realizó una serie de instantáneas en diapositiva de diversos puntos de la ciudad de San José y áreas cercanas- sus Imágenes Encontradas- dentro de las cuales la serie de ubicuas casetas de seguridad aparece como un planteamiento sociológico. Estas fotografías complementaban su pintura al preservar una especie de bitácora personal de experiencias  diarias con el contexto urbano. Por esa misma época pintaba cuadritos pequeños para dejarlos colgados en los árboles y las ventanas enrejadas de la ciudad, y esperar que el destino decidiera sobre su paradero. Sólo queda la documentación, los cuadros han desapercibido, no sin antes ser recolocados sucesivamente en otros lugares por los pasantes…. Importante en su obra es el concepto de monocromo: la reflexión de Herrero sobre la pintura también se basó sobre la recolección de imágenes de vallas publicitarias de carretera, blancas, antes de la renovación del anuncio, como “monocromos encontrados” recortados contra el cielo, en donde el vacío del blanco, de la nada en el espacio, contrasta con lo multicolor y saturado de sus pinturas. Las marcas viales sobre las carreteras funcionan como monocromos encontrados, y son replicadas a la escala en las salas de exposición. Herrero se sirve de una paleta a un tipo de composición que recuerda los vibrantes colores de los barrios populares de Costa Rica, aplicando capas y capas que se recortan entre sí para construir planos y perspectivas, en donde siempre aparecen sus garabatos y dibujos de personajes que parecieran salidos de una animación 

lunes, 22 de octubre de 2012

Jaime Higa – El arte de la ironía por Gabriela Diaz Palma



La capacidad de concurrencia entre los diversos actos creativos, o más bien formas estrictamente reproductoras de lo “existente”, posibilita el desarrollo de nuevos valores, conceptos e ideales. Sin embargo, en el juego de epítomes iconográficos se destacan nuevas maneras estéticas  y éticas de aproximación. En este sentido, el pensamiento del artista Jaime Higa da un giro en el lenguaje creativo para dar a conocer la existencia de otros realismos pop.
Tras sus estudios en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Católica del Perú y graduado de la Escuela Superior de Bellas Artes Corriente Alterna, Higa lleva tiempo invirtiendo las diversas temáticas del pop, ya sea desde las relacionadas directamente con  los modos de vida de la sociedad de masas de consumo o enmascarando unas imágenes que más allá de su papel de representación, funcionan a la manera de símbolos personales e interpersonales. Sus piezas no solo remiten a contenidos sociales determinados, sino también a estructuras lingüísticas que van más allá de la estética; por ellos, la libre expansión de las facultades de imaginación y entendimiento sugerida en su obra.
Especular sobre lo sensible implica poder repensar la matriz del arte pop, remitida a una sociedad calificada como consumista.


Ello invita al artífice a apropiarse de esos bienes culturales, revalorando propiamente el modo de ser de su “sujeto”. Empeoro, la postura pop frente a la realidad nunca es crítica en sentido estricto, no es un realismo social que sirva a ideología alguna, sino una condición que revela una percepción consciente del deciframiento de la sociedad que lo origina: “Lo mío no es una crítica, porque cada día estamos más inmersos en el mundo de la imagen y criticarlos es más difícil.
Quizás haya un poco de ironía o de autoironía porque yo también soy un gran consumidor de imagen”.
En esta ocasión la ironía se presenta como una actitud y nunca como un fin en sí misma, lo que dificulta el tomar conciencia de ella y pensarla desde una “distancia” crítica. No obstante, hay un momento en que adquiere un especial relieve, presentándose como síntoma de vitalidad cultural, el cual forma parte de un discurso retórico y antagónico que gobierna la producción de las obras de Jaime Hiha. Solo la percepción renovada de cierto estilo favorece la interiorización instintiva de la imagen  como objeto de doble cuestión: la de su origen y contenido, y la de su destino.
La utilización de la pintura derivada de los colores planos del cartel, el cultivo de la bidimensionalidad, el recurso del dibujo nítido  y las técnicas mixtas como la utilización de stickers son otras tantas características de la obra de Higa. Intercalada entre autorretratos, el juego con ídolos tanto del ámbito popular como académico, y el de los cómics y pinturas, encontramos la peculiaridad que distingue a Higa, una forma de insertarse en la historia del arte. Por ejemplo representándose en Chagall, Frida Kalhlo, Lucha Reyes o Bruce Lee: “En una época he hecho un montón de autorretratos donde me planteo como personaje porque el arte siempre se ha dedicado a la belleza” (risas).


Sin embargo, su pintura abarca un universo más contemplativo y prominente, puesto que ahora último  interviene personajes de índole intelectual-vintage para traerlos al presente. “La idea era un poco trabajar con íconos que yo creo que han perdido vigencia después de la caída del Muro, por esa razón he creado las imágenes con representaciones del mundo neoliberal, los cartoons… Si los mezclo con las princesitas o stickers varios es como traerlos a la actualidad pues si Vallejo hubiese nacido hace diez años, seguramente hubiera visto a Las Chicas Superpoderosas.

viernes, 19 de octubre de 2012

Nine Inch Nails | The Down Spiral (1994)



Sello discográfico |Interscope
Producción | Flood · Trent Reznor
Dirección artística | Gary Talpas
Nacionalidad | EE.UU
Duración | 65:02

<Creí que no era lo bastante accesible>


¿Quieres algo alegremente sombrío? Elige a los Cure.
¿Algo brillantemente sombrío? Los Pink Floyd, tal vez.
¿Algo desagradablemente sombrío y ruidoso y con tendencias suicidas? Ahí están los Nails.
Este himno al dolor nació en la casa en la que Charles Manson y sus seguidores asesinaron a la actriz Sharon Tate  (a Marilyn Manson, que tomó el nombre del criminal, protegido de Reznor por aquel entonces, se le da las gracias  en los créditos del álbum). Abundaban las malas vibraciones: al ver que no podía cocinar un pollo para el desnutrido Reznor, Tori Amos, que estaba de visita, concluyó que la casa sufría una maldición.
El horror preña estas canciones, a pesar de que Reznor niegue que el repetitivo <Pigs> esté relacionado con <Piggies>, el tema de los Beatles que se convirtió en el himno de Manson.


Entre los temas industriales como <March Of The Pigs> encontramos momentos seductores. El bailable <Closer>, que tiene un simple de las baterías del tema <Nightclubbing> de Iggy Pop, despliega uno de los estribillos más citados de la época: <I want to fuck you like an animal>
 Finalmente , está <Hurt>. <El mejor tema antidroga que he oído nunca>, dijo Johnny Cash, cuya versión del mismo se convirtió en su epitafio. El sobrecogedor videoclip de Cash lo firmó Mark Romanek, que también dirigió el videoclip de <closer>.
No resulta sencillo escuchar The Downward Spiral, a pesar de haber sido multiplatino. Si <habla> de ti y no eres Trent Reznor, es para preocuparse. Pero sus lacerantes guitarras, ensordecedoras baterías y alucinantes canciones son preocupantemente pegadizas.
¿ Y el pollo de Tori Amos? <No hago preguntas>, dijo Reznor encogiéndose de hombros. <Se los comieron los fantasmas


HOMENAJE .



miércoles, 17 de octubre de 2012

Fernando Taboada


NOTA DE PRENSA
Fernando Taboada
Buenos días belleza





El miércoles 24 de octubre de 2012, el artista Fernando Taboada presentará su nueva obra, Buenos días belleza ,en la Galería Lucía de la Puente.

Conformada por 10 dípticos de óleo sobre lino en gran formato y una serie de 13 collages, esta muestra representa para Taboada la búsqueda de la belleza, entendiéndola como la que se produce de modo cabal, por intuición del espíritu y que infunde, además en quienes la aprecian, un deleite espiritual.

Fernando Taboada relaciona pintura y poesía, y reflexiona sobre la creación de la belleza, recuerda al poeta japonés Basho, quien decía en el Siglo XVII, que un Haiku es lo que ocurre aquí y ahora. Octavio Paz escribió que la poesía de Basho es como el Zen, elusiva y alusiva. Por su parte, Marguerite Yourcenar, en un ensayo sobre Basho, dice que no vemos dos veces el mismo cerezo, ni la misma luna sobre la que se recorta un pino. Todo momento es el último porque es único.

Para el artista, en esta pintura-escritura, como la tipografía en negro sobre la página blanca de la poesía impresa, se inscriben formas en negro sobre fondos blancos y grises. La línea es una escritura que, a través de signos, como la palabra en la poesía, busca fijar ese momento único del encuentro con la belleza, es decir, lo poético, la música ante todas las cosas, como decía Paul Verlaine.   

Jorge Luis Borges dice que en la poesía, todo verso debe comunicar un hecho preciso y además, debe tocarnos físicamente, como la cercanía al mar.  Esa sensación física es más intensa en los grandes formatos donde se inscriben vacíos y plenitudes.

Taboada busca, a través de su arte, de la pintura, una forma de vivir para que no exista un solo día sin un instante de belleza, como lo dice el título de su muestra.


Fernando Taboada. Luego de concluir sus estudios de derecho y obtener el título de abogado en la Universidad Católica, de 1982 a 1985 estudia en el taller de dibujo de Margarita Checa.  En 1986 asiste al gabinete de los dibujos del Museo del Louvre, París.  De 1987 a 1988 aprende las técnicas del grabado sobre metal en el Atelier 17 del artista Stanley W. Hayter.  Hasta el año 2000 vive y trabaja entre París y Lima.
En 1984 presenta su primera muestra individual en la Alianza Francesa de Lima.  En 1988 y 1989 expone en la Galería de la Fundación del Banco de Comercio. En 1992 presenta su obra en la galería Forum y en La Galería, Lima.  En 1993 y 1995 exhibe su trabajo en la Galería Françoise Palluel de París, esta misma muestra su obra en la FIAC de París en 1993 y Art Strasbourg en 1996, además de Découvertes en 1993 y 1994.  Con La Galería de Lima expone en los años 1992, 1993, 1995, 1997, 1998; y en 2000 esta presenta su obra en Art Cologne.  En 2006 exhibe en la Galería Animal, Santiago-Chile. En 2001, 2004, 2006 y 2009 expone individualmente en la Galería Lucía de la Puente.

AGRADECEMOS SU DIFUSIÓN
Fernando Taboada
Buenos días belleza
Inauguración: miércoles 24 de octubre de 2012, 7:30 pm
Del 25 de octubre al 24 de noviembre de 2012
Paseo Sáenz Peña 206 A, Barranco. Lima – Perú
Tel. (511) 4779740 / (511) 4770237





NOTA DE PRENSA
Sebastián Cabrera
AL ACECHO DE LA IMAGEN






El miércoles 24 de octubre de 2012, el artista Sebastián Cabrera presentará su más reciente obra obra, AL ACECHO DE LA IMAGEN,en la Galería Lucía de la Puente.

La muestra del artista peruano establecido en Barcelona, incluye pintura y video instalación a propósito de una reflexión acerca de los límites de la percepción.
Tomando como punto de partida la imagen de la nuca de un ser humano, la parte posterior de su cráneo, el lado opuesto a su mirada, Cabrera se propone exponer la idea de la imagen inalcansable, aquella  que se desea y que al final es reemplazada inevitablemente por otra, por aquella que la obstaculiza. La nuca impide ver lo que esté delante de ella, si del retrato de un espectador se trata, y  simultáneamente oculta la identidad de éste. Es decir, esta imagen actúa como una doble barrera para acceder (poseer) tanto lo que observa el espectador retratado como su identidad como observador.

Al acecho de la imagen es un título que apela al espectador de la muestra para  enfrentarlo de alguna manera a imágenes que de una u otra manera en su lectura hablan de aquello que nos obstaculiza el paso a la imagen deseada.

Sebastián Cabrera (Lima, 1982), estudió Bellas Artes en la pontificia Universidad Católica del Perú, luego viajó a Barcelona-España donde realizó sus estudios de Licenciatura de Bellas Artes y Maestría en “Produccions Artístiques y Recerca” en la Universitat de Barcelona. Estudió también, un Postgrado en Video Digital en la Universitat Pompeu Fabra. Actualmente reside en los talleres de Experimentem amb l´art y trabaja con Oficina36. Quedó como finalista de los premios: “49 Premio a la pintura joven de la Sala Parés”, Barcelona-España, 2007; “Premi Beca de Estudis D’ Art Autocugat”, Sant Cugat-España, 2008; finalista para el Premio de pintura Guasch Coranty, 2012.
Ha participado en una serie exposiciones tanto en Perú como en Europa, entre las cuales se encuentran: "Swab Fair" con Oficina36, Barcelona-España, 2012; “Intermission” Asociación cultural KKKB, Barcelona-España, 2011; “Starring” galeria Errequerre, San Sebastián-España, 2010; “Contextos Interèdia. Master Prodart” Teclasala, Barcelona-España, 2010; “Quince años. Galeria Lucia de la Puente” Galeria Lucia de la Puente, Lima-Perú, 2010; “As Castles” Galería Lucía de la Puente, Lima-Perú, 2010; “Loop Festival de Videoarte”, Barcelona-España, 2009; “Just une image” Centre Civic de la Barceloneta, Barcelona-España, 2009; “In Memoriam” Swallow gallery, Barcelona-España, 2009; “Premi Beca de Estudis D’ Art Autocugat”, Sant Cugat-España, 2008; “Giovanni & Artisti”, Sassari-Italia, 2008.

AGRADECEMOS SU DIFUSIÓN
Sebastián Cabrera
AL ACECHO DE LA IMAGEN
Inauguración: miércoles 24 de octubre de 2012, 7:30 pm
Del 25 de octubre al 24 de noviembre de 2012
Paseo Sáenz Peña 206 A, Barranco. Lima – Perú
Tel. (511) 4779740 / (511) 4770237

SEX PISTOLS




Sello discográfico: Virgin
Producción: Bill Price, Chris Thomas
Dirección artística: Jamie Reid
Nacionalidad: Reino Unido
Duración: 38:35

En una década de malestar social, la grisácea fachada de la Gran Bretaña de los 70 se estaba viniendo abajo debido al elevado desempleo y a la creciente apatía. El país al completo parecía sumido en el síndrome de abstinencia, y el optimismo de los 60 no era más que un recuerdo distante. De repente, algo golpeó a los ciudadanos en la entrepierna, de forma tan literal como afirma el título de este disco.
En cuanto los Pistols tocaron sus primeros acordes, su notoriedad amenazó con sobrepasar el mundo de la música. El sentimiento se vio intensificado por la luminosa cubierta de Jamie Reid. Debido a su famoso logo y al uso de palabrotas, las tiendas se negaron a encargarlo e incluso el caso llegó a juicio (sobreseído después de que Richard Branson llamase a un lingüista para que testificara sobre el origen en absoluto obsceno de la palabra). Con un estilo que ensombrece el contenido, los primeros pasos se inician con "Holidays in the Sun", un venenoso recordatorio de que bajo el trabajo artístico de la cubierta había un álbum que pretendía alterar nuestra percepción de la música, la moda y las actitudes generacionales.
Ahí está la ferocidad de "Bodies", con su temática abortista, el sencillo aunque devastarodamente efectivo riff de Steve Jones en "Pretty Vacant", que dio esperanzas a todos los guitarristas malos del mundo (Jones también tocaba del mismo modo el bajo).
"Anarchy in the UK", por descontado, es el grito más famoso del álbum, pero "God Save the Queen" es la máxima representación de la rabia. Johnny Rotten convierte cada una de las notas en un insulto contra la realeza. Pocos momentos de la música popular alcanzan el grado del grito gutural de Rotten "no future for you". Quedaron encapsulados ahí muchos años de penurias juveniles.




Tom Waits





Tom Waits | Swordfishtrombones (1983)
Sello discográfico: Island
Producción: Tom Waits
Dirrecion artística: Frank Mulvey
Nacionalidad: EE.UU.
Duración: 41:41
Por decirlo de una manera sencilla, la carrera de Tom Waits se divide limpiamente en dos partes: antes de swordfishtrombones y después. Hasta el propio Waits, un hombre propenso a la ofuscación, lo reconoce. Swordfishtombones era Wait alejándose de lo que describiría más tarde como “mi periode pseudojazz de borrachuzo”  y entregándose a la sorpresa de lo nuevo en la forma de Brecht y weill, Capitain Beefheart  y Harry Patch.
Conocer a su esposa Kathleen Brennan había sido su inspiración. Reñida con el estilo de la época, casi todas las canciones son cortas, las letras imaginativas, el sonido forzado, oxidado, retorcido y oblicuo. Su anterior orquestación habitual, saxo mas guitarra y piano grabados sin adornos, dan paso a un remolino de Pump Organ, marimba y metales contundentes. Crea un mundo de porte oscuro y elegiaco.
“Hay un gruñido, allí abajo, hay una gran ciudad oscura, un lugar que he descubierto, hay un mundo en marcha, SUBTERRÁNEO”, ladra en el titulo que abre el álbum, como intentando prender la mecha y fijar el tono.
Otro corte,”Frank s wild yeat” tomaría vida propia. Formo la base del musical de Waits y Brennan del mismo nombre, que a su vez dio lugar a un álbum de estudio el año siguiente. De hecho Swordfishtrombones era la primera parte de una trilogía de Waits para Island Records, después de Warner BROS, aunque parezca increíble, lo rechazan.


http://www.youtube.com/watch?v=qwg3y_FnLmg

Priscilla Monge


1968. San José, Costa Rica
La obra de esta artista se articula de manera polisémica en una zona límite que devela los aspectos oscuros y contradictorios de las relaciones humanas, y los ambiguos equemsa de poder y subordinación que rigen estas relaciones a muchos niveles. No es casual pues, que la iconografía deportiva, y sobre todo del fútbol, haya sido un punto de partida importante desde sus inicios y que el juego sea una referencia recurrente a lo largo de su carrera, así como los matices de lo femenino. Aborda este tema específico desde la subalternidad, pero dentro de una óptica poco complaciente con la visión unilateral de la victimización, al plantear sutilmente ciertas complicidades que la permiten.
Su obra obliga a una lectura más compleja y menos lineal que las interpretaciones tradicionales de género: va más allá de lo femenino o masculino para hablar de poder en general, incluyendo lo perverso que puede ser el poder no-dicho de la víctima. Sin embargo, sí se refiere abiertamente a la fragilidad y a la intimidad con piezas realizadas en toallas higiénicas que remiten a aspectos identitarios absolutamente femeninos, como sus Pantalones( para días de menstruación) relizados a fines de los 90, o el Cuarto de aislamiento y protección(2011).


Gran parte de su obra se nutre de su experiencia en un contexto de agresión; sin embargo, sus planteamientos logran trascender la propia intimidad –evita implicarse en su explicitación –y más bien se convierten en una forma de mirar y analizar una sociedad coercitiva y culpabilizante, y de enfrentar los fantasmas personales. Percibe lo cotidiano como un poder velado capaz de generar profundo terror, de desencadenar temores y obsesiones reprimidas: mediante la transformación semántica de los usos comunes y la alteración sutil de escenas cotidianas, insertando siempre un elemento siniestro. Su obra ha sido formalmente innovadora pues la construcción de sentido se inicia desde el escogimiento del material pintura sobre telas de mobiliario, bordados y caligrafía. Pionera en el lenguaje audiovisual, su lección de Maquillaje, fue el primer video centroamericano presentado en una bienal internacional (Sao Paulo, 1998).
Sus referencias por lo general son más cinematrográficas que teóricas o históricas, y en algunos casos, literarias, como sus lecturas de Bataille. Las otras “lecciones” como Morir de Amor (2000), siguen ligadas a estructuras de conducta estereotipadas en relación con la seducción o el abandono.
A lo largo de su producción, amplia, consistente y diversa, hace un alineamiento semiótico de contrarios, que se enriquecen dentro de este mismo contrapunto, así como de la sabiduría popular y sus mitos, y del psicoanálisis. Formalmente, también puede constatarse un contrapunto ente el proceso de producción en serie y la huella o el gesto de la artista en la realización de las piezas, lo cual envuelve más eficazmente al espectador.

lunes, 15 de octubre de 2012

Te odio amor mío

NUEVA EXPOSICIÓN



MARTIN CREED
El Museo de Arte de Lima – MALI presenta hasta el 24 de febrero de 2013 la primera exhibición individual en Sudamérica de Martin Creed, artista británico que desde inicios de la década de 1990 ha desarrollado una práctica artística caracterizada por el rigor conceptual, así como una simpleza a la vez conmovedora y engañosa. Creed empezó a recibir la atención del mundo gracias a su obra Work No 227: The lights going on and off con la que ganó el premio Turner en 2001 desatando grandes debates en el medio artístico internacional.

Ingreso: Mínima: S/ 6.00 | Sugerida: S/ 12.00 | Estudiantes / mayores de 65 años / niños menores de 12 años: S/ 4.00 | Domingos populares: S/ 1.00 | Ingreso libre para los miembros del PAM.

sábado, 13 de octubre de 2012

Muestra colectiva "Octubre"




El día jueves 18 de octubre a las 7:30 pm se inaugurará la muestra colectiva "Octubre" y culminará el sábado 3 de noviembre, en Bruno Gallery, calle Francia 565 - Miraflores

Horario de atención de lunes a sábado de 12 a 8 pm


Octubre

   Cuando convocamos a 21 artistas pusimos como tema Octubre por ser un mes pleno de resonancias simbólicas, por ejemplo Octubre se llama la película dirigida por Serguei Eisenstein que trata sobre la revolución rusa, punto de partida para la obra de Carlos Lévano. Sin embargo la Procesión del Señor de los Milagros ha sido el tema que más artistas ha movilizado y de esta manera observamos que Mauricio Delgado, José Gómez, David Rejas y Magali Seminario han basado sus obras en la devoción que despierta el Cristo Morado. Alonso Molina y Javier Dominguez documentan a través de sus fotografías la parafernalia de objetos que pareciera expresar esta fuerte creencia religiosa, aunque José Luis Palomino con cita bíblica incluída denuncia en su obra (en boca de un Hulk cercano a halloween) el comercio que se aprovecha de la feligresía.

    Lo nutricional como el alimento y a fin de cuentas la tierra  se han pensado siempre como femeninos quizás por esta razón dos artistas Carolina Lorenzo y Mavi Reyes reflexionan alrededor de un dulce representativo de estas fechas: el turrón de Doña Pepa. Menos reconocido el Día de la Salud Mental (el 10) ha sido rememorado por Jonathan Castro en su obra.

     Alejandro Hernández y Lorenzo Osores cada cual y a su manera grafican la Feria Taurina. En el caso de Gary Villafuerte se fusionan el Señor de los Milagros pero también ese interés por el terror que viene desarrollando en su proyecto Las Vampiras de Pachacamac. Makarena Tomasich y Alfieri Rossi apelan al halloween en stricto sensu y Gonzalo Leandro de manera sincrética dice sí al halloween pero con una máscara de la diablada puneña, caso similar al de Mario Mogrovejo donde el color del Señor de los Milagros se une a el día de la canción criolla pero reformulado con cantantes vernaculares. Juan Diego Capurro traduce en escenas fantasmales la numerología y las cartas del tarot. Los artistas Mucho y Paul Ruiz acuden a la asociación libre como ejercicio suprarrealista para tocar tangencialmente tanto el mes morado como el halloween. 

Jaime Higa



miércoles, 3 de octubre de 2012

Black Sabbath |Paranoid (1970)



Sello discográfico | Vertigo
Producción | Rodger Bain
Dirección artística | Keef
Nacionalidad | Reino Unido
Duración | 42:13

<A este país le asusta la generación joven porque está en guerra>


Black Sabbath ya había conseguido que las cejas se enarcaran en su nativa Inglaterra con su álbum homónimo de debut: una relectura sísmica del blues que, junto con los dos primeros clásicos de Led Zeppelin, dio nacimiento a una nueva forma de rock: el heavy metal.
En términos compositivos, el segundo LP del cuarteto de Birmingham significó un salto cuantitativo. El tema de protesta <War Pigs> es una de las introducciones más grandes de todos los tiempos, y capta el estado de ánimo irritado de la juventud occidental por la sangrienta campaña estadounidense en Vietnam. Todas las marcas de fábrica de los Sabbath están aquí: el ominoso aullido de Ozzy Osbourne, el dinamismo flexible de los infavalorados Bill Ward(batería) y Geezer Butler (bajo y letrista), y sobre todo, la gigantesca presencia del héroe de la guitarra y señor del riff Tony lommi.


Viene a continuación el mítico tema que da título al álbum, un trallazo protopunk de enajenación que sigue siendo el himno clásico del grupo. Ozzy e lommi la tocaron incluso en el cincuenta aniversario de la coronación de Isabel  II celebrando en 2002. La balada <Planet Caravan> ofrece la faceta tierna del grupo, mientras el potente drama de ficción científica <Iron Man> parece anticipar el movimiento grunge. Los últimos cuatro cortes son menos conocidos pero igualmente impresionantes. La pesadilla inducida por la heroína <Hand Of Doom> es muy apropiada, y contribuyó a consolidar la posición de los Sabbath como la fuerza más oscura de la música de los 70.
<Paranoid> dio a conocer a la banda en Estados Unidos, y llegaron al nº12 de Billboard. Canciones del álbum han sido versionadas por la gente tan dispar como Pantera, Los Cardigans, Faith No More y Giant Sand. Su influencia en el sector más heavy del espectro rockero, desde Nirvana hasta Queen Of The Stone Age, es incalculable.


Roberto Jacoby




1944.Buenos Aires, Argentina.
Protagonista  perturbador de la vanguardia de los años 60 en la Argentina, este artista fue, siempre, un observador activos de los puntos de ruptura, de las grietas por las que se filtran los destellos de lo nuevo.
Después de un incipiente interés por la pintura y por la escultura)que se materializó en una serie de dramáticas figuras de vietnamitas que guardaban y traducían en un nuevo registro el impacto que le habían producido las paradigmáticas Muñecas Bravas de Pablo Suárez), se introduce en el terreno fértil que el happening habilitó para la creatividad en los años 60.
El  cuestionamiento del estatuto del objeto artístico que investiga con sus experiencias proto-conceptuales (cuando realiza la maqueta de una obra que debía ser construida mentalmente por el espectador) es el paso necesario para la articulación de sus intervenciones en el espacio urbano y para la experimentación con los medios de comunicación.
Pero antes se produjo el contacto decisivo con Oscar Masotta, cuando conoce sus conferencias sobre Pop y viaja con él a Nueva York. La experimentación con los medios alcanza un momento radical con las Experiencias 68 realizadas Di Tella, donde presenta un teletipo desde el que transmitía los cables del Mayo Francés de la agencia France Press. En 1968 participa en la muestra interdisciplinaria Tucumán arde. Después escribió contundentes piezas de reflexión estética.
Desde fines de los 90 investiga sobre las más diversas expresiones del trabajo asociativo (Bola de Nieve, Venus, la revista Ramona) y también sobre problemáticas ligadas a la vulnerabilidad del control. Esto es lo que puso en escena su instalación Darkroom, compuesta por cabinas con auriculares, en la que podrían verse ocho canales de video, y un espacio oscuro, con performers enmascarados, en el que se reducían radicalmente las certezas perceptuales. Se ingresaba con una cámara infrarrojos en un ámbito en el que se perdía el sentido de la distancia y se producía una angustiante sensación de aislamiento, de soledad. Un ámbito de experiencias que nuestra mente registraba rápidamente, acumulando las sensaciones de extrañeza que se aceleraban ante las imágenes poco precisas de cuerpos en movimiento. Un conjunto de visiones cercenadas, producida entre el deseo de ver y la dificultad para desplazarse . Un contacto con nuestros propios límites.
Su prácticas investigan materiales e ideas. Desde la organización del Área Sociedades Experimentales (que funcionó en el ámbito de la Universidad de Buenos Aires durante el 2004) convocó a un grupo de investigadores que reflexionaron sobre el pensamiento de Fourier y realizó una serie de reuniones de experimentación que fundaron la Zona Autónoma Temporaria: un campo de reflexión sobre la interacción entre las personas y un ámbito para imaginar nuevas relaciones sociales.
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