HORAS DE LUCHA. El futuro ha comenzado / Fernando Gutiérrez(Huanchaco)

El jueves 20 de setiembre de 2012, el artista Fernando Gutiérrez/Huanchaco presentará su nueva obra HORAS DE LUCHA. El futuro ha comenzado en la Galería Lucía de la Puente.

Esta exhibición completa y finaliza la aventura emprendida por Huanchaco hace 13 años, cuando creó las historietas de “Superchaco”, a quien encarnó.  Un súper héroe, ideal del criollo, que se sale con la suya, sin esforzarse ni respetar a nada ni nadie, y que es capaz de todos los engaños y bajezas con tal de satisfacer su capricho y deseo, que vive en ciudad Caótica donde impera la corrupción, en medio de mafias chinas, locos justicieros y enfrentamientos por poder.  En medio de ésta, conoce a Germán Seminario, descendiente del héroe naval Miguel Grau, quien se vuelve personaje de las fantasías de Huanchaco, representando a su antepasado, y a quien propone emprender un viaje “De Lima a Talcahuano”, para recuperar simbólicamente el abatido monitor Huáscar, ganar las guerras perdidas y de esa manera dejar de ser segundones y perdedores. Pero el resultado de esta travesía fue otro, cuando el ingreso al navío les fue prohibido y la realidad los terminó sometiendo. Buscaban la reivindicación personal y nacional, pero fueron despojados de sus sueños de victoria.  

Huanchaco decide sacarse el traje de Superchaco e inicia el proyecto Horas de Lucha, que tiene como propósito revalorar la trayectoria y rescatar del olvido al cineasta trujillano Leonidas Zegarra, director de películas como Un día en California, Galacto, De nuevo a la Vida y La Virgen María y los niños pobres, a quien tiene como unos de sus mayores referentes en el mundo del arte  y  como un héroe cultural por representar a la cultura de masas en su estado más puro, aunque este haya sido considerado peyorativamente en el medio artístico nacional. Es por esta razón y en su afán por continuar al rescate de los “dejados de lado”, que Huanchaco construye situaciones, a través de su obra plástica, inspiradas en los textos de Manuel González Prada. Los personajes alucinados por Huanchaco, que lo han venido acompañando durante estos últimos años, servirán de storyboard a la película que Leonidas Zegarra realizará, llamada El futuro ha comenzado.

HORAS DE LUCHA. El futuro ha comenzado  es una muestra que incluye pintura, escultura, collages y la proyección de videos, todo a modo de instalación, y tiene el propósito de inspirar la realización de la película de Zegarra. También será exhibido, en el segundo piso de la galería, el proyecto de Museo en homenaje al cineasta, mismo que Huanchaco viene desarrollando y que será  construido en Trujillo. 

De esta manera el artista finaliza esta trilogía, sobre Superchaco, Germán Seminario interpretando a Miguel Grau y Leonidas Zegarra, personajes a los que ha buscado reafirmar, más allá de lo anecdótico. A decir de Maya Watanabe, artista audiovisual y curadora peruana, “…un juego de espejos y dobles donde el segundón y el arquetipo no son sólo el hombre y el héroe, sino también lo secular frente a lo sacralizado (...) La pregunta que se abre es sobre las bases sobre las cuales hemos construido a nuestros héroes y de cómo ellos a su vez, y siguiendo el juego de espejos, nos construyen la imagen de nosotros mismos.”

Fernando Gutiérrez Cassinelli (Trujillo-Perú, 1978) Estudió Bellas Artes en la Pontificia Universidad Católica del Perú, donde recibió de 1999 a 2002 el Premio anual Adolfo Winternitz. De 2006 a 2007 fue becario de Pollock-Krasner Foundation. Vive y trabaja en Lima. Se desempeña como profesor de Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes Corriente Alterna, y su trabajo abarca una amplia gama de medios como pintura, escultura, video y fotografía.

Gutiérrez ha participado en importantes exposiciones nacionales e internacionales, algunas como: “Menos Tiempo que Lugar” (2010-2011), curada por Alfons Hug y mostrada en toda América Latina, representó al Perú en la Bienal de Venecia “Entre el Siempre y el Jamás” The Latin American Pavilion, 2011; “Frank Suss Collection”, Saatchi Gallery, Londres, 2010; “Estado de las ficciones”, Centro Cultural de España, Lima, 2010; “Lima me mata”, Centro Cultural Británico, Lima, 2009; “Visiones post-Nuevas Ilusiones. Arte critico en Lima (1980-2006)” Museo de la Nación, Lima, 2006; entre otras.

Entre sus exposiciones individuales: “Superchaco”, 2006 y “Numero 2”, 2009, ambas en la galería Lucía de la Puente, Lima; “De Nuevo a la Vida. Homenaje / Instalación de Huanchaco una Leónidas Zegarra”, Centro Cultural Inca Garcilaso, Ministerio de Relaciones Exteriores, Lima, 2010.

Su obra se ha presentado en ferias de arte como ARCO Madrid, LimaPhoto, PINTA Londres y ArtBo Bogotá.

Inauguración: jueves 20 de setiembre de 2012, 7:30 pm
Del 21 de setiembre al 20 de octubre de 2012

Paseo Sáenz Peña 206 A, Barranco. Lima – Perú

Tel. (511) 4779740 / (511) 4770237

www.gluciadelapuente.com

Cuerpo Oscuro

Bruno Gallery,  Calle Francia 565 Miraflores (a 3 cuadras del cruce de Pardo con espinar) Horario: De lunes a sábado de 12:00 pm a 8:00 pm Telf: 2418806 La Joven artista Judith Vergara inaugurará su primera muestra individual en Bruno Gallery el día viernes 7 de setiembre hasta el 2 de octubre, de su obra el curador Felipe Mayuri Poma nos dice:  Cuerpo Oscuro de Judith Vergara sugiere un estilo formado desde sus primeros trabajos, un imaginario particular instituido por la artista. Ahora apoyada del lenguaje poético de Sandra Rodríguez, autora del poemario titulado igual que esta exposición, asimila visualmente un pro ceso no tan personal por ser la poseía una disciplina expresiva al igual que las artes plásticas y que fusionándola con su íntima creatividad produce un final pictórico y gráfico que en el paso de poco tiempo se ha ganado un respetado y austero culto que todo artista cultiva bajo la constancia de su trabajo. Catalogaría arbitrariamente como una pintura subliminal. Concibe espacios y/o momentos de una mujer –o varias- que bien puede confundirse con un autorretrato o una situación personal. Pues lo de subliminal está en las pistas que implanta en su obra: la falta de una boca, el uso de la pistola por la misma mujer multiplicada por dos o tres en una composición, la pipa en vez del corazón –detalle personal- mostrándolo a pecho abierto y con la mirada hacia el espectador; acertada figuración y sinceramiento visual de retratar algún secreto. Inquietante detalle que muchos pintores incluyen en su obra. La multiplicación de esa mujer son las diversas personalidades, que en algunos casos también nos ha sucedido y que la someten a momentos tortuosamente lúdicos. El fondo similar a un fino tapizado o en mayor ocasión a un clásico telón teatral sugiriere que la vida real o imaginaria se conjuga bajo actuaciones y ficciones basadas en la misma vivencia.  Judith Vergara contempla la introspección y la representa con delicadas y definidas líneas en el dibujo y con cálidas tonalidades en su pintura, construyendo al final una tenue serie surrealista que sabe complacer. Con el tiempo es posible augurar una mayor soltura en la figuración de los cuerpos; sin embargo es interesante que en su primera exposición individual logre seriedad, sinceridad y calidad, facultades que en estos tiempos, en las artes plásticas jóvenes, son escasas y necesarias.  Felipe Mayuri Poma

HOMENAJE a la Cultura Japonesa

Maria Elena Alvarado

Homenaje a la Cultura Japonesa es una muestra colectiva que reúne a 24 artistas peruanos convocados por el artista y curador Jaime Higa. La muestra se inaugurará el martes 11 de setiembre a las 7:30 pm en la Galería Ryoichi Jinnai en el C.C. Peruano Japonés (Av. Gregorio Escobedo 803, Jesús María) y estará abierta hasta el 29 de setiembre.

Artistas participantes:

Maria Elena Alvarado 

Sheila Alvarado
Juan Diego Capurro
Akira Chinen
Renzo Gonzalez
Amadeo Gonzalez
Haroldo Higa
Jaime Higa
Carlos Lévano
Michelle LLona
Carolina Lorenzo
Alonso Molina
Cuco Morales
Mucho
Lorenzo Osores

Jose Luis Palomino
Evivan Phumpiu
Cesar Porta
David Rejas
Mavi Reyes
Alfieri Rossi
Yaquir Sato
Makarena Tomasich
Gary Villafuerte

Abierto al público: Del 12 al 29 de setiembre

Lugar: Galería de Arte Ryoichi Jinnai, Centro Cultural Peruano Japonés

Horario: Lunes a viernes de 2:00 p.m a 9:00 p.m.

             sábado de 10:00 a 1:00 y de 2:00 a 4:00 p.m

INGRESO LIBRE.

Amadeo Gonzáles

HOMENAJE

                                                                                              

                                                                                                “I´m under japanese influence…”

                                                                                                                             David Bowie

                                                                                     

 “unos dicen que son fieles al Emperador

 Otros dicen que son fieles al ordenador… “

                                                                                                                             Mecano

     Desde  los años de mi infancia empiezan  una serie de recuerdos que están ligados con la cultura japonesa. Mi padre vino de Okinawa y mis abuelos por el lado materno también, por esta razón asimilé con naturalidad circunstancias y situaciones que están estrechamente relacionadas con la cultura japonesa que yo pensaba eran de dominio público, con los años me dí cuenta que no era así…

     El primer recuerdo proviene del sensei ¹ Uchima, japonés neto que había sido traído expresamente al colegio para la enseñanza del idioma japonés. Creo que todos quienes fuimos sus alumnos lo recordaremos, sobre todo por su severidad y también porque siempre cargaba consigo una varilla de bambú que se convertía en su instrumento de tortura si no atendías la clase o no hacías la tarea.

     Otro recuerdo es el undokai² razón por la cual nos obligaban a cumplir rigurosos entrenamientos para competir  con otros colegios en actividades deportivas. El undokai finalmente nos premiaba con el bento³  y con los deliciosos platillos japoneses que se vendían durante la celebración.

     Estos eran los eventos  relacionados con la escuela pero los que me deparaban quizás más satisfacciones eran aquellos que tenían que ver con la televisión….podía pasar horas viendo animes como Astroboy,  Meteoro, El Hombre de Acero, Fantasmagórico, Los Tres Espaciales, Kimba, El As del Espacio o Sombrita. Las series también ejercían un gran atractivo con Ultraman,  Ultrasiete,  El Capitán Ultra o El Príncipe Dinosaurio.

     Ya en mi época de estudiante universitario comencé a frecuentar los cine clubes y claro aparte de los directores norteamericanos, italianos o franceses también estaban los japoneses allí conocí a  Kenji Mizoguchi, Mikio Naruse, Yasujiro Ozu, Akira Kurosawa, Shohei Imamura, Takeshi Kitano, Takashi Miike, Hayao Miyasaki, Kinji Fukusaku, Naomi Kawase o Kiyoshi Kurosawa.

     Otro descubrimiento de esa época para mí fue su literatura de hecho Matsuo Basho, Junichiro Tanizaki,  Yasunari Kawabata,  Yukio Mishima,  Kensaburo Oe y Banana Yoshimoto están entre los que más me encandilaron.

     Durante estos años me he dado cuenta que mucho de la cultura japonesa ya no es patrimonio de los descendientes nikkei sino que la calidad de estos productos culturales los han convertido en universales. Por tal razón  en esta muestra colectiva 16 artistas peruanos rendimos homenaje a las diferentes expresiones de la cultura japonesa.

                                                                                                                                   Jaime Higa

1 Maestro.

2 Evento deportivo anual que conmemora el natalicio del Emperador.

3 Lonchera Japonesa

Alonso Molina

MARC NEWSON

MARC NEWSON

“Mi enfoque del diseño es totalmente

Subliminal, lo que es suerte, porque

No tengo mucho tiempo para pensar….”

^^Sin duda, nos guste o no, el diseño desempeñara un papel más importante de nuestras vidas en el futuro, ciertamente, tendrá mucho más protagonismo en las grandes empresas. En cierto sentido, es como el diseño estuviera renaciendo mientras hablamos coincidiendo curiosamente con el nuevo milenio. Asimismo, supongo que la palabra “diseño” será cada vez más familiar para mucha gente. Mi esperanza es que no se convertirá simplemente en un eslogan comercial, sino que definirá algo que implica calidad y mejora. ^^

Guillermo Kuitca

1961. Buenos Aires Argentina

La necesidad de construir el mundo  a nuestra medida, de cambiar desde el taller ese mapa irreversible del espacio habitable, está en el trasfondo de toda la obrad e un artista intimista y tímido y que por lo tanto procura no dejar una grieta abierta en sus pinturas por la que podamos asomarnos a su verdadero interior. Cartografías imposibles,  mapas que ni la imaginación puede explicar, planos de casas que no pueden ser construidas ni habitadas, telones y escenarios donde no se escenifica nada. Patios de butacas vacíos, sacados de los dibujos que Internet ofrece en el servicio de compra de tickets… un mundo en la mesa del cuarto de estar. Ese es el mundo pictórico de Guillermo Kuitca, posiblemente el más internacional y más delicado de los artistas argentinos, que mantiene ese toque extraño del que no es ni de un lugar ni de otro. Tal vez porque su autentico país es una ópera y su religión un tratado enciclopédico. Un pintor de estudio, amante del dibujo y del detalle, pero que no se preocupa por los límites, perfeccionista pero que deja en la sombra del infinito los bordes de unas telas construidas con la sutileza y el tiempo del que sólo disponen los enfermos.

Desde el deseo de hacer teatro, desde la admiración por un arte activo, valiente, enfrentado a un público que no siempre es pasivo ni acepta el esfuerzo del artista, Kuitca va deslizándose hacia la pintura como una expresión artística no necesariamente narrativa que es capaz de abarcarlo todo. Pintarlo todo, da igual que sea un lenguaje abstracto o figurativo, un dibujo o un lienzo, hacer de una línea la unión, el eje entre la vida y su representación. Un pintor que expone a los trece años por vez primera, que parece que ser pintor es inevitablemente su destino. Esta afición hacia el teatro como el gran espectáculo y a la vez como la lucha interna de cada artista, está presente en gran parte de su obra, no solamente en sus planos de teatros verdaderos. Toda su obra se podría simplificar como la tensión entre espacio público y espacio privado, entre figuración y abstracción, en esa dramática lucha por ofrecerse en sus pinturas pero al mismo tiempo esconderse detrás de un lenguaje inevitablemente privado. El propio Kuitca ha afirmado que su relación con los mapas, con esa intención de marcar el territorio no es tanto un proyecto de conocimiento del mundo sino de borrar, disolver la realidad, las líneas que dibujan ese mundo externo.

El uso de materiales que saca de Internet, de enciclopedias, de dibujos, la simplificación de las historias cotidianas de su mezcla con otras más heroicas va sembrando de ingredientes cada lienzo, cada dibujo, contándonos la historia de un pintor que quiso ser actor, de un amante del teatro que actúa en privado, extraño en su propio país: en el país de Nunca Jamás.

WILCO

YANKEE  HOTEL FOXTROT

Sello discográfico/Nonesuch

Producción/jim Orourke·wilco

Dirección arttistica/Lawrence AZerrad

Nacionalidad/EE.UU.

DURACION/51:51

Es la típica de David contra Goliat.los Wilco llevaron su cuarto álbum a la Warner/Reprise; los gerifaltes lo escucharon un poco, vieron que no ola a dinero y tomaron la infame decisión de no trabajar con la bando. No paso mucho tiempo hasta que el disco huérfano de Wilco  llego a ejemplificar todo lo malo de una industria discográfica avariciosa y en bancarrota creativa.

Así  es fácil enternder por que los amantes de la música tienden a exagerar la brillantez de yankke hotel fortroxt. Afortunadamente, es imposible exagerarla. A partir del preludio de un minuto lleno de zumbidos cósmicos y piano delicados que abren el álbum con “I Am Trying to Break Your Heart”, está claro que la banda se aventura en territorio inexplorado.

El resultado es sobrecogedor. Las letras de Jeff Tweedy son intensamente íntimas, políticas  y evocadoras. El tono del álbum es fantasmal y distorsionado aunque bellamente sereno. Las endechas sombrías de “Poor  Place” y “Radio Cure” encuentran el contrapunto perfecto en gemas pop como “Heavy Metal Drummer” o  “Im The Man who Loves you . El productor  Jim Orourke se inspiro en los programas de la frecuencia modulada de los que el disco toma nombre, y lo religo todo con una textura sonora que evoca signos de cruce y largas distancias.

Cuando salió a la luz, a los críticos les cayó la baba y los fans se pusieron en cola, ávidos de comprar la música que habían tenido en el disco duro durante más de una año.

PS: No os perdáis el excelente documental de Sam  Jones  “I Am Trying To Break  Your  Heart. Sus cámaras presenciaron las extrañas peripecias que se protagonizo Yankee Hotel Foxtrot.     

http://www.youtube.com/watch?v=cJbLvQkCwRc

http://www.youtube.com/watch?v=V_Yaej3ZCaE

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=cBhj73WtiZU

                                                                                                                                                                       

MARCO LOPEZ

MARCO LOPEZ

1958. Santa Fe, Argentina

La obra de Marcos López pasa por tres etapas importantes. Entre 1984 y 1993 realiza retratos individuales en blanco y negro, con un detallista trabajo de escenificación. El retratado posa serenamente interpelando a cámara, y en torno a él se crea una atmósfera de objetos cotidianos de amplían el retrato a la totalidad de la imagen. El humor a veces surge de la expresión o caracterización del “modelo”, y otras, de la asociación que se genera entre éste y los objetos que lo acompañan o el lugar en el que se presenta. En las fotografías menos intimistas emerge incluso un borde ridículo, sugerido en la demasiado concentración de una mirada, o en la solemnidad que edifica el retratado a partir, se presume, de la alta idea que tiene de sí mismo. Aquí empiezan a destilarse los primeros gestos paródicos –vía lo grotesco y lo Kitsch-, que serán condimentos principales de su obra de los años 90. 

Efectivamente, es en el conjunto de series y fotos sueltas que componen Pop latino (1993-1999), donde López desmantela la idea de color local latinoamericano y la producción socio-política que le da sustento. Mientras el neoliberalismo se implanta violentamente en la Argentina con las dos presidencias de Carlos Menem, López produce un espejo crítico de todo un estilo de vida con razón llamado menemista. Su trabajo crece junto con el nuevo rico- y el nuevo pobre- latinoamericano, los pastiches resultantes de la mezcla de representaciones, aspiraciones de diversas clases sociales y culturales, y el choque desfasado entre mitos populares- Evita, el Che, Gardel- y las nuevas tecnologías de comunicación. López registra y confronta- parodiando la copia identitaria fraudulenta-, la acentuación del proceso de degradación económico-cultural de América Latina en el marco del mundo globalizado. Recorre los años 90 latinizando el pop. Algunas fotos son tomas directas con poca producción extra. Otras resultan de escenificaciones atiborradas de baratijas y chistes, puestas en escena y copias repintadas.

En algunas de sus últimas obras, con menos estridencia cromática y menos sorna, López produce hibridaciones entre algunos momentos de la historia del arte y el documento periodístico y los mitos de Pop latino, travestismo que resulta un tono emocional un poco más sombrío.

En este conjunto de fotografías, en donde, por ejemplo, hay versiones femeninas de la famosa foto del cadáver del Che en Bolivia y de la iconografía pictórica del martirio de San Sebastián, la complejidad de la composición- forzada por las posibilidades tecnológicas y limitada por el juego de fidelidades por las posibilidades tecnológicas y limitada por el juego de fidelidades y trasgresiones que la cita exige- se torna una parodia de la sacralización de ciertas imágenes-burguesas o de izquierda, sacras o profanas-, una parodia de la corrección política, y una parodia del procedimiento de la escenificación.