JOSE DEMASCENO

JOSE DEMASCENO

1968,  Rio de Janeiro, Brasil

Este artista es un paradigma de los derroteros de la escultura y la instalación de Brasil. Desde los años 60 estas prácticas han alcanzado allí un refinamiento y una complejidad que han llegado a acuñar un sello característico. Los artistas brasileños han introducido –quizá paradójicamente-expresividad, sensualidad y juego en el postminimalismo y el pos conceptualismo, han complicado la estética del material, dotándolo a la vez de carga subjetiva, han sofisticado  el arte de la instalación, y han diversificado, vuelto más compleja y aun subvertido la práctica del “ lenguaje Internacional Contemporáneo”.

Muy adecuadamente se ha  afirmado que damasceno trabaja con sistemas, tanto desorganizado los existentes como creando otros nuevos, o estableciendo relaciones insólitas entre ellos. No obstante sino añadimos otros matices cruciales podría pensarse en una obra analítica, objetiva, o centrada en una pura investigación estructural. Sería más exacto afirmar que Demasceno es un poeta de los sistemas. Tanto por su enfoque subjetivo como por las imágenes sintéticas que produce, pero sobre todo por volvernos las cosas más complicadas en vez de diseccionarlas. Es decir, por que  intenta seguir la madeja de la realidad viva más que actuar desde un laboratorio-conceptual.

El ha insistido en que lo llamamos “realidad” es un tejido de innumerables estratos, dimensiones, densidades y porosidades de toda índole. Para el artista se trata de una inabarcable red de canales de gran complejidad estructural, que se mueven y transforman de acuerdo con otro universo vastísimo, el de los diferentes puntos de vista desde los cuales la abordamos. Su arte explora este intrincado nudo, y lo hace partiendo quizá de una conciencia de la imposibilidad de la tarea. Hay algo de utopía pesimista en su trabajo. De ahí este tenga que ver más con el misterio que con la claridad, porque se coloca en el entretejido mismo de estos sistemas. Por eso inventa mucho más que analiza.

A la vez encontramos una impronta constructiva en su trasfondo-tan suave como arraigada-, oculta tras la vibrante subjetividad de las obras. Por mas insólitas, inventivas y provocadoras que estas puedan ser, casi nunca “se sueltan”. No se señala esto como una limitación sino como un rasgo contribuye el carácter de estos trabajos. Una zona importante del arte brasileño se basa en desarreglar imagines preexistentes, no como un procedimiento de diseño, sino dentro de una variedad de estrategias estética-discursivas. Ellas, de cierto modo, subvienen desde dentro el marco constructivo, pero sin quebrantarlo, más bien ampliando sus posibilidades hacia campos inéditos, pulsando una tensión creadora de significados. Demasceno se sitúa en el grado cero de la voluntad constructiva, del orden y del desorden, y desde allí nos sorprende con sus actos de magia y filosofía. 

PRIMAL SCREAM/ SCREAMADELICA (1991)

PRIMAL SCREAM/ SCREAMADELICA (1991)

Sello discográfico: Creation

Producción: Varios

Dirección artística: Paul Cannell

Nacionalidad: Reino Unido

Duración:65:02

Mientras que  grupos como los Happy  Monday  y los Stone roses habían estado siguiendo la cultura de clubs desde hacía un tiempo, Screamadelica derribo todas las barreras. Los fanáticos del baile descubrieron el merito del rock, los aficionados al indie-rock se lanzaron a la pista de baile, y los que no tenían una copia del disco se sintieron desfasados.

Antes de aquello primal Scream era un grupo de rock estridente h poco destacable con un par de discos en su haber. Sin embargo el acid-house se estaba poniendo de moda en gran Bretaña y, en 1990, un amigo de la banda llamado Andrew Weatherall hizo un experimento remezclado su canción “ Im losing more tan I ll ever have”.

El resultado fue “Loaded”. Desmontada, adornada con nuevos sonidos y con la incorporación de samples de Peter Fonda pertenecientes a la película  “Los Ángeles del Infierno “se convirtió en un fenómeno. y el magnífico góspel-house de “Come Together” formaron la columna vertebral del increíble viaje a la psicodelia moderna que tendría lugar en 1991( las ediciones estadunidenses y japonesa incluían la versión menos eufórica del single “Come Together”). Weatherall se mantuvo al mando de la mayor parte de los caleidoscópicos ritmos, mientras el productor de  Primal Scream, se encargo de los dos cortes de rock:”Movin on up” y “ Damaged”. The Orb también crearon la alucinante transmisión de dub alienígena de “ Higher tan the sun”, mientras que Hypnotone ayudaron a convertir  “Slip inside this house” de 19th Floor Elevators, en una pieza rugiente dominada por el bajo. Tal vez sea un disco de colaboraciones, pero aunque los productores puedan reclamar un gran parte del merito de la música fueron Primal Scream quienes se propusieron demostrar que la música de baile podía coexistir junto al rock.

http://www.youtube.com/watch?v=aKFYtUJFYVE

http://www.youtube.com/watch?v=ZUjW82je_38

ANA MARIA MAIOLINO

ANA MARIA MAIOLINO
1942,Scalea, Italia/Italy

En los años 60 y 70, esta artista desarrolla su obra experimentando diversas líneas estético-conceptual-el Neoconcretismo, la nueva figuración, el minimalismo, el conceptualismo-, además de parti

cipar, a fines de la década de los 60, el espíritu vanguardista con fuerte acento local propone la llamada nueva objetividad brasileña. El privilegio otorgado al objeto en tanto recurso organizador de la experiencia, la apelación a la participación del espectador y el posicionamiento político del artista, son algunas de las claves de estas nuevas prácticas experimentales. En su espeso recorrido, valiéndose de muy distintos medios, soportes y técnica, la artista aborda problemas del cuerpo humano y de objetos desde una visión que renuncia a la lógica dualista y apunta más bien a desplegar la complementariedad de los opuestos en tanto motor de vida. La xilografía la acerca en 1967 a la “literatura de cordel”, una hibridación de literatura e imagen característica de la cultura popular del noreste de Brasil, a cuyos relatos de la vida cotidiana la artista les confiere un cariz político, con los mapas mentales (1971-1974) Maiolino conecta la palabra poética con la especialidad del papel, al que interroga mas allá de lo bidimensional aplicando perforaciones, pliegues y otras formas de expansión del cuerpo liso. Por ejemplo mediante líneas punteadas divide un superficie en cuadros regulares , e inscribe en ellos palabras, números, incisiones, de este modo, lejos de sostener la existencia de significados estables y mensurables la obra sugiere que es mediante la vibración efectiva de los signos que el significado se torna elemento productor subjetividad.

La instalación es quizás el medio que confiere a la obra de Maiolino una expresión más explícitamente política sobre todo hacia el final de la última dictadura brasileña (1964-1984). Entrevidas (1981) propone al espectador el recorrido por un suelo minado por 70 docenas de huevos de gallina, de manera que experimente en carne propia la fragilidad de la existencia y a la vez, la tendencia irrefrenable de las cosas de la vida en los años 90, Maiolino realiza objetos e instalaciones con materiales muy simples, a fin de interrogar críticamente las modernas condiciones de existencia. Y es en el modelado de arcilla donde encuentra mayor potencialidad para expresar el modo en que la memoria de los gestos cotidianos, más que una repetición inútil, permite el lento pero sostenido enriquecimiento del individuo y el trazado de lazos profundos con la comunidad. En muchos (1991-1995) o Sao estes (1998), despliega en una sala cuantiosas piezas de arcilla modelada en forma de bolas y cintas, planteando una analogía entre el uso cíclico de esa materia básica- se moldea, se saca se convierte en polvo, se reutiliza el polvo humedecido para un nuevo modelado- y el carácter procesual de la vida misma.

THE JESUS & MARY CHAIN/ Psychocandy (1985)

THE JESUS & MARY CHAIN/ Psychocandy  (1985)

Sello discográfico: Blanco y Negro

Producción: The  Jesus And Mary Chain

Nacionalidad: Reino Unido

Duración: 38:52

Habiendo dejado todo el mundo con la boca abiertas tras el primer single de Creation en 1984, “Upside Down”- inclemente losa de feed back y batería neandertal-, Jim y Willian Redi se pasaron todo el año siguiente encantando al público con su originalidad manera  de actuar en directo. Sin tener en cuenta las masas, elevaron una impenetrable tempestad de feedback y distorsión, pasaron la prensa y rara vez tocaron durante más de 10 minutos. No resulta sorprendente  que sus gigs acaben frecuentemente en estallidos de violencia; notable fue la revuelta que siguió a su aparición de 1985 en North London Polytechnic.

Firmado con blanco y negro  peor manteniendo a su representante en Creation, el álbum debut de Mary Chain transpiraba genialidad unánimemente halagado por la prensa mundial  se le señala ahora como  uno de los mejores primeros álbumes de la historia. Los dos hermanos escoceses lograron llevar a cabo lo impensable: fundir el estilo pop soleado de los Beach Boys y el brutal sonido empapado  de feedback de la Velvet Underground, además de una enorme cantidad de eco, la primatica batería de Bobby Gillespie.

Los tres singles que más comentarios suelen suscitar son el fanfarrón”You trip me up”, el nihilista subido anfetaminico de Never understand y el agridulce “ Just like hoy”, pero el álbum sigue siendo alectrizante en su totalidad su influencia es incalculable . Cualquier banda que desde entonces hay demostrado pasión por los pedales de efectos y oído para las melodías desenfadadas les debe algo. Tal vez  no podamos volver a oírlos tocar en directo, pero Psychocandy se acerca bastante a lo que alguien escribió una vez sobre sus conciertos;” una sierra mecánica en un huracán”.

http://www.youtube.com/watch?v=zK2nJWNgZBA

http://www.youtube.com/watch?v=b2bzrCCKDwc

LILIANA PORTER

LILIANA PORTER
1941, Buenos Aires, Argentina

El coleccionismo de pequeños objetos, de suvenir populares en muchos casos asociados a la infancia (Mickey, ositos, soldados, muñecas), o los imaginarios de la política (el che, Mao)es el depósit

o sobre el que Liliana Porter organiza un mundo en el que cada uno de los elementos que participan renueva su significado. En estos escenarios, se cruzan lo kitsch y lo tierno. No sin citas sarcásticas o irónicas, sino juegoentre lo lógico y lo arbitrario en los que no está ausente el efecto.
Las citas eruditas de historia del arte- particularmente de la obra de Magritte, Goya, Picasso- y de la literatura-Borges, Alicia en el país de las maravillas, las mil y una noches-, la yuxtaposición de imágenes, le permiten establecer un repertorio de sutiles estrategias de construcción del sentido que mezclan lo lúdico con un humor delicadamente trágico.
En 1964 después de vivir en buenos aires y ciudad de México, se establece en Nueva York donde forma junto con Luis amnitzer y José Guillermo Castillo el New York Graphic Workshop, desde el que problematizan la relación del grabado con los aspectos técnicos del oficio. Su obra de esos años explora con insistencia a las paradójicas relaciones entre la realidad y la ficción, investigación que continua en su obra más reciente. Como en el fotograbado Picasso (1973), en el que la foto de su propio dedo reproduce debajo de la línea del grabado de la Suit Vollard. La imagen ilustra una imposibilidad, aquello que no sucedió porque los tiempos de cada imagen históricamente no coincidieron. Sin embargo, lo que ella expresa con esta intervención es la condición de la imagen de plantear, cada vez un tiempo nuevo, el de la nueva parición de la imagen, en la que ella interviene levantando la Línea con el dedo.

En las obras de los años 80 se produce una fragmentación del soporte, como si este fuese insuficiente o como se hubiese estallado y su exceso o sus fragmentos tuviesen que continuarse en otros pequeños cuadritos ( stil live with red crayón, 1984) y objetos que recurren el borde superior de la pintura.
Los pequeños objetos de su colección que se representaban en dibujos y grabado yuxtapuestos, comienzan a dominar solos, en un espacio vacío, generalmente blanco o rojo. Muchas veces actúan inmersos en situaciones reales que materializan la condición que su apariencia ficcionaliza (trabajo forzadoV, 2005), tanto en las fotografías como en los videos (para usted, 1999y solo de tambor 2000). La sustancia del tiempo no es lineal, afirma Porter toda su obra es una reflexión sobre la condición no narrativa de la imagen, sobre ese potencial anacronismo que le permite aparecer en cualquier tiempo. Sobre estas posibilidades actúa Porter para juntar todo aquello que sueña y desea.

T.REX/ THE SLIDER (1972)

T.REX/ THE SLIDER (1972)

Sello discográfico: EMI

Producción: Tony Visconti

Dirección artística: Ringo Starr

Nacionalidad: Reino Unido

Duración: 43:35

Grabado en París y Copenhague con el productor Tony Visconti, fue editado en verano del 71, en el momento más álgido de la T.Rex manía. Entre los fans del carismático Marc Bolan se encontraba David Bowie, que también había trabajado con Visconti y acabo dedicando su hit “lady stardust” a Marc. The Slider fue un éxito en ambos lados del atlántico y marco un punto de inflexión en el glam rock estadounidense.

Telegram Sam, que vendió 200.000 copias en los cuatro primeros días y la estática”metal guru” llegaron ambas al N·1 en el Reino Unido; son dos clásicos incontestables. Pero también hay una calidad en las baladas mas tiernas”mystic lady”,”ballrooms of mars” y en los momentos más rockeros y Frenéticos “rock On”. Bolan demostró una vez más que era un artesano de las canciones refinadas y pegadizas. Y también un maestro de la espontaneidad, pues perdía interés por toda canción que superara las dos o tres tomas, lo que confería a sus composiciones una efervescente inmediatez. Su talento no se cenia al rol de compositor y líder de la banda. Las letras son típicas de Bolan: Dadaistas, agudas, perversas y llenas de sorprendentes asociaciones y originales metáforas.

De todos modos, no todo fue armonía en el estudio. Visconti llego a comentar  que a esas alturas el grupo trabajaba sobre la misma fórmula y el ego de Bolan estaba por las nubes. A pesar de todo, el disco está cargado de magia. Bolan murió en accidente de coche en 1977, dejando un legado musical Que ha influenciado a todo tipo de músicos, como los paladines del rock gótico, Bauhaus, que hicieron una versión de Telegram Sam, o la banda estadunidense Guns`n`Roses que hizo lo propio con Buick Mackane.

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=zfjAEWHrFvo

http://www.youtube.com/watch?v=IRG3ugqY4Ks

MALAS Tierras

El destino ha querido que Mister Lonely sea el último tributo en vida  a Michael Jackson , un tributo extraño y discutible como su propio creador, el norteamericano Harmony Korine.

http://www.youtube.com/watch?v=4u7UG6n5100

Fue una voz inconformista y transgresora en el cine americano de los noventa. Acusado de chuvinista, miserabilista y además, sus filmes iniciales se fueron forjando desde su experiencia y exploración del continuo absurdo de la decadencia de la vida dentro de la “Norteamérica profunda”, aquella que Ford y Wayne vanagloriaban y justificaban. Harmony Korine (quien la conoce bien) decidió desenmascárala atraído por observar el continuo descender de la naturaleza humana en los recónditos espacios  sub-urbanos de su nación.

Así, Gummo salió a la luz. Su inclasificable opera prima de 1997 contento a pocos y genero rechazo hasta odio en muchas. Ya se había planteado la semilla para una de las obras más personales y contraculturales de aquella década. Y es que inicialmente, Gummo puede ser confundida como un filme superficial y oportunista pero basta fijarse bien en sus personajes, en la forma en que son mostrados y pintan como víctimas y victimario de su realidad, para darnos cuenta que el filme de Korines es mucho más de lo que se estructura de mosaico inconexo de situaciones puede explicar. Al igual que Faces de Cassevettes, convierte lo ordinario en extraordinario, un logro creativo y artístico sugerido desde la vulgaridad y desesperanza de sus participantes.

Con este filme, nosotros, los espectadores, podemos contactarnos y recibir un golpe, ver frente a frente los bajos fondos de la existencia humana, y, por más naturalista que sea sociedad/imagen presente, encontrar que no estamos muy lejos, moral e intelectualmente, de ellos. Korine no necesita futuro distopico para mostrarnos al humano animalizado, salvaje, rendido; para el realizador, esa realidad es un gran catalogo de fenómenos de circo que buscan provocar a los burgueses espectadores de cine. Hamrmony Korine, con su primera película, se estableció como uno de los más radicales y polémicos cineastas de su generación, pero también como del que más se esperaba y intrigaba, ¿Cómo haría para sobrepasar a Gumo? se convertiría en un misterio y una apuesta. Su originalidad, tal vez, era consecuencia de tener una visión que buscaba confrontar y desconocer cualquier tipo de influencia directa desde el cien en si. Si bien se detectan momentos de Bresson, de Malick y hasta de Tarkovski, lo interesante de Korine es su empecinamiento por encontrar algo nuevo en el cine, por encontrar nuevas imágenes y significados basándose en una experiencia mundana de observación o autobiografía o en la música o en la pintura, contraponiéndose a toda una corriente de cineastas de su generación y anteriores que eran influenciados principalmente (y otros  únicamente) por el séptimo arte.

Años pasaron y Korine regreso con Julien Donkey Boy (1999), basándose en vivencias de un familiar victima de esquizofrenia. Influenciado por el movimiento dogma 95, la narración se focaliza en un protagonista, Julien (Ewen Brenner), y su entorno familiar. Korine personaliza la historia para abandonar a julien, en las consecuencias para sí y para los suyos de su enfermedad a través de la confrontación de personajes en extremo complejos como el padre (Werner  Herzog)envuelto en su propio laberinto de sueños y mitos, negándose a compartir el dolor de su hijo y comprenderlo; y como Pearl (Chloe Sevigny), una mujer de bondad inmensa  e inocencia que le conceden características religiosas, e introducen la historia interpretaciones bíblicas casi alegóricas. Y, por supuesto, como Julien, quien es controlado por su enfermedad y el temor a esta, que inunda su pensamiento. Es también el filme más lirico de Korine pues las imágenes tienden a enaltecer y sublimar el paisaje tanto urbano como rural, pero jamás olvidándose de que está filmando una tragedia, una vida de sufrimiento donde la felicidad es efímera y se refiere más a un recuerdo retocado que de la realidad.

http://www.youtube.com/watch?v=ZdybmIKQl60 

Transcurrieron ocho años para que el guionista de Kids volviera a estrenar una cinta, este caso es Mister Lonely(2007) una nueva generación de cineastas había surgido quizá con menos fuerza que aquella de hacía diez años, pero mucho había cambiado, esta vez parece que la madurez sorprendió al cineasta, le volvió humanista quizá, idealista. Esta vez Korine elige retratar a un grupo de imitadores; el protagonista  un doble de Michael  Jackson (Diego Luna), quien luego de su encuentro con la doble de Marilyn  Monrie ( Samantha Morton) es invitada por ella a una isla donde habitan solamente un tipo de personas. Vemos a la Reina Isabel ll, a Abraham Lincoln, Shirley temple, Charlie Chaplin ente otras imitaciones.

Si decimos que Gummo sus personajes eran fenómenos, aquí lo son también, pero con conciencia de condición, y actuando en función a ella. Lo que buscan es aparentar y luego trascender la barrera de la personalidad, muy seguramente apegados a la idea de la construcción de una utopía. Sin embargo, una tragedia echara por tierra el mundo imaginario de los soñadores. La empresa naufraga y Michael Jackson (o su doble) retornan a cas pero mayor experiencia: ha aprendido que no importa morir si es que se a vivido con dicha.

Ya existen noticias de que Trash Humpers, el nuevo filme de Harmony , está terminado y que se está preparando su estreno. Nada mejor que la actividad para seguir constatando la evolución del antiguo enfant terrible americano en un referente de resistencia y creatividad cinematográfica muy necesaria estos días.

http://www.youtube.com/watch?v=FfkL3ewZnU8