Viviendo la posteridad


Ya estamos instalados en la posteridad. En cada pequeño acto de nuestra vida cotidiana, está la intención de dejar una pequeña huella, una marca. Por ejemplo, en el mensaje que dejamos en nuestra red social favorita, ese que todos leerán si nos morimos antes de desactivar la cuenta; en las fotos de la última fiesta o reunión, que colgamos presurosos y exhibicionistas. O en los blogs que llenamos con nuestras obsesiones preferidas.

Vivimos para una imaginaria posteridad, cuando menos podemos jugar a que esta existe, y tomar la delantera eternizándonos en mensajes, ideas y opiniones.

Por eso invitamos a quien lo desee, a dejar una huella en este espacio.


martes, 29 de mayo de 2012

SUPERPOSICIONES



Así como el cómic o la animación en donde las capas de estilos y elementos se superponen en una hibridez a la que la visualidad contemporánea nos ha acostumbrado, Hernán Pazos superpone, muchas veces en esta línea, imágenes, dibujos, “símbolos” (ya que si algunos de sus dibujos son signos, su significado es oscuro y quizás se trate más bien de símbolos privados, herméticos) y superficies creando nuevas figuras y fondos)
Con mayor libertad que en casos anteriores, Pazos llega a una sintaxis más desestabilizadora, iconoclasta, exagerada, impulsiva y expansiva. Esta superposición de planos con formas a veces casi figurativas o geometrizantes, con borraduras, tonalidades, figuras planas o más expresivas, dibujos esquemáticos o a veces casi perfectamente acabados, son un mayor efercicio de libertad en donde la hibridez de lenguajes, motivos, materiales y géneros aúnan el pasado y el presente de la obra del artista, y el pasado y presente del diseño, el cómic, el lenguaje de la animación entre otros, y superponen historias e imágenes para crear o re-crear la suya propia, la imagen de su psique, sus estados y emociones. Este look da una impresión a veces caótica, rítmica otras, de un collage exuberante y expresivo.
Las series de diez pinturas al óleo y técnica mixta, once técnicas mixtas sobre papel y tres fotografías intervenidas participan de esta hibridez, libertad expresiva y superposición de motivos y técnicas.
Pazos no busca la proporción perfecta. Y si Narciso se mira y se enamora de la imagen que ve, que resulta ser la suya aunque él no lo sepa, Pazos se mira y busca su imagen. Se mira y, a base de componer y recomponer, de superponer sus partes, quiere encontrarla. Encontrarse.
Su lenguaje que se nutre de estilos y modos de esta nueva visualidad es sobre todo un lenguaje de imágenes. Si hay motivos nuevos que unen o conectan los lienzos recuperados, transformados, no están cargados de significado. No lo tienen. Son imagen.


Ana María Rodrigo Prado

Rossella Jardini

"Try to work with honesty"



Poco antes de su trágica muerte a los 44 años, en 1994, Franco Moschino estuvo hablando del futuro de su marca con Rossella Jardini, su mano derecha femenina en la compañia desde su fundación en 1983. Su mensaje era sencillo: ROssella debía permanecer al frente de la firma y utilizar su posición para seguir recaudando fondos para obras benéficas. Pocos imaginaban que una marca tan ligada a la carismática irreverencia de Moschino prosperaría bajo el impulso de otro diseñador, pero el acercamiento discreto y la apariencia más bien austera de Rossella Jardini confirmaron su importancia crucial en la deconstrucción de lo absurdo de la moda que había emprendido Moschino; la parodia de una parodia. Nacida en Bérgamo en 1952, Rossella Jardini abrió una pequeña boutique a principios de los años setenta en la que vendía diseños vanguardistas de gente como Issey Miyake, antes de pasar a trabajar en Cadette, una línea d eropa para mujer diseñada por el joven Moschino. Rossella Jardini se separó durante una breve temporada de su nuevo amigo para diseñar los complementos de la Bottega Veneta, pero volvió con él cuando Moschino lanzó su propia en 1983, La mezcla de parodia, efectos trampantojo y corte clásico de Moschino se convirtió en la combinación ganadora en una década de los ochenta obsesionada por la moda. Sus audaces eslóganes son el mejor ejemplo de la forma en que moschino logró hacer explotar el flobo de la alta costura. Los modaadictos se apresuraron a aprovechar la ocasión para reírse de sí mismos luciendo una camisa con el eslogan <Esta camisa es muy cara>, mientras que el de <Ready To Where?> resumía bien la vacuidad de la época. A la muerte de Moschino, la etiqueta de <bufón de la moda> que la marca compartía con Jean Paul Gartier empezó a chocar con la seriedad conceptual de los noventa. Pero Rossella Jardini ha sabido cambiar el rumbo de la firma, en particular gracias a la reciente recuperación de antiguas creaciones de Moschino y a su firme determinación de no tomarse nunca la moda demasiado en serio.

lunes, 28 de mayo de 2012

Raqib Shaw


Los cuadros de Raqib Shaw recurren auna mezcla premeditada de referencias cruzadas, cuidadosamente seleccionadas: imágenes obtenidas de fuentes tan variadas como la pintura del Renacimiento, los grabados en madera japoneses, la iconografía hindú y la estética de la artesanía tradicional se entremezclan con promiscuidad en las mismas superficies relucientes.
El aspecto de joya de sus cuadros, logrado mediante el uso de materiales tales como pintura metálica de coche, esmalte dorado para vidrieras y pequeñas piezas brillantes, atrae a los espectadores para confrontarlos con escenas que oscilan entre lo hermoso y lo grotesco y en las que el placer erótico puede devenir en abuso en cualquier momento. La opulenta utilización que Shaw hace de los materiales, combinada con su voraz imaginería y su interés por los relatos morales medievales y renacentistas, critica el deseo de poseer lujos como los aparentemente representados por sus creaciones. En una reciente serie, Shaq se inspita en los retratos que Hans Holbein realizó de las esposas de Enrique VIII.

En Jane (2006), los abyectos embellecimientos prácticamente enmascaran la representativa imagen de Jane Seymour, profanan la plácida compostura del cuadro e invocan los violentos tumultos del periodo. Shaw logró por primera vez renombre internacional con su serie Garden of Earthly Delights (2003-2005), una secuencia de paneles pintados que alude a las vividas visiones representadas por el cuadro epónimo de El Bosco (c 1500). Unas criaturas híbridas lucha y copulan en un paisaje salpicado de azul y dorado, con una flora y una fauna ejecutadas con exquisito detalle. Las deliciosamente depravadas escenas de Shaw seducen y enfrentan al espectador codicioso a las más oscuras fantasías.

Extraído del libro "100 contemporary artists"

Sparks | Kimono My House (1974)

Sello discográfico | Island
Producción | Muff Winwood
Dirección artística | Nicholas Deville
Nacionalidad | Reino Unido · EE.UU
Duración | 35:44

<Cuando tienes una bonita balada, tienes que intentar desmenuzarla> Russell Mael, 1975
El letrista y teclista Ron Mael y su hermano pequeño Russell se fueron de Los Angeles a Londres en 1974 estimulados por las reacciones positivas que habían suscitado entre la prensa inglesa sus espectáculos en directo.
Tras reclutar una nueva banda a través  de los anuncios clasificados, dieron la campanada en el Top 10 inglés con la opereta glam rock <This Town Ain’t Big Enough For The Both Of Us>, que se abría con unos teclados hipnóticos y una voz incómoda y llevaba a una oleada de disparos, lamentos operísticos y guitarras chirriantes.

Esto les llevó a una aparición memorable en el programa semanal de la BBC Top Of The Pops, con Ron mirando ceñudo a la cámara, con su bigotito a lo Hitler enfatizando su inexpresivo comportamiento de comeniños, mientras Russell bailaba alrededor.

Con su portada Kitsch y chillona, en la que se mostraba a unas geishas mofletudas, Kimono… fue un éxito instantáneo de crítica y de público, e inspiró a un joden Steven Morrisey a escribir al NME para explayarse sobre sus virtudes. El falsete de Russell en <Amateur Hour> es un complemento perfecto a los juegos de palabras hilarantes de Ron, quién extrañamente menciona al violinista Yehudi Menuhin. El dramatismo camp de <Thank God It’s Not Christmas> y <Hasta Mañana Monsieur> suena como los primeros Roxy Music dirigiendo un musical de Broadway. Sparks se anticiparon a la new wave con el puntiagudo quasi-punk de <Talent Is An Asset>, mientras que la colisión de texturas jazz y las cada vez más locas letras de <Equator> muestran el filo más experimental de los Mael.

Tres décadas después, Kimono My House sigue siendo un álbum escencial, y su influencia ha sido señalada por su fan de toda la vida Morrisey, que invitó a Sparks a interpretar todo el disco en 2004 en el Royal Festival Hall de Londres.

sábado, 26 de mayo de 2012

Janis Joplin | Pearl (1971)




Sello Discográfico |Columbia
Producción | Paul A. Rothchild
Dirección artística | Barry Feinstein
Nacionalidad | EE.UU
Duración | 34: 23
<¿Es que no lo entendéis? ¡La música tiene que ver con los sentimiento y con pasarlo bien!>



A lo largo de su breve carrera, Janis Joplin pareció moverse permanentemente al borde de la autodestrucción. Como le había ocurrido a Billie Holiday, la lucha de Joplin contra la adicción a las drogas y los reveses de sus relaciones hicieron que sus blues sonara tan convincente. Sin embargo, la cantante parecía estar enderezando su vida personal cuando se metió en el estudio para grabar Pearl. Tras obtener un disco de oro con Cheap Thrills ( 1968), había abandonado a Big Brother y había reunido a la más versátil Full Tilt Boogie Band; también parecía dispuesta a sentar la cabeza y estar prometida. Naturalmente, <sentar la cabeza> es una expresión relativa. La portada del disco mostraba a Joplin con sus habituales compañeros: una bebida y un cigarro.


Pearl es un argumento convincente que demuestra que Joplin no solo podía haber sido la principal cantante de blues de la época, sino la principal cantante del momento. Empezando con la arremetida de la Full Tilt Boogie Band en <Move Over> y avanzando hacia la tristísima <Cry Baby>, Joplin despliega una asombrosa versatilidad vocal mientras infunde un dramatismo y una pasión tangibles a sus palabras. Al escuchar <A Woman Left Lonely>, cuesta no establecer comparaciones con grandes figuras de todos los tiempos como Bessie Smith. Joplin también sabía pasárselo bien, como atestiguan <Me and Bobby McGee> y <Mecedes Benz>
Sin embargo, el tema más conmovedor no contiene una palabra cantada por ella. La artista fue hallada muerta de una sobredosis de heroína en una habitación del hotel antes de quepusiera su voz a <Buried Alive In The Blues>. Publicado póstumamente, Pearl llegó a lo alto de las listas y afianzó para siempre la leyenda de la cantante.





Anna Sui


"I'm past the stage of being rebellious"

Anna Sui nació en un pequeño suburbio de Rock City, Detroit, en 1955. Mientras que otras niñas jugaban con muñecas, ella vestía elegantemente a las suyas  y recortaba fotos de las revistas de moda escuchando incansable música rock. La clave de su trabajo en la actualidad reside en un exaltación de la cultura popular, en el amor por la música y en la capacidad de hacer revivir el pasado de forma creativa. Resucitando un Woodstock más decadente del que se recuerda, su exploración del romanticismo, la feminidad y la nostalgia está sazonada con un descarado toque de rock’n’ roll. A los 17 años, tras ganar una beca para la Parsons School of Design, Sui se trasladó a Nueva York, donde conoció al fotógrafo Steven Meisel, quien se convertiría en amigo íntimo y colaborador suyo. Después de graduarse, Sui ocupó diversos cargos como diseñadora de sportswear. En 1980 presentó una pequeña línea de prendas con su nombre en la Boutique Show, que fue adquirida de inmediato por Macy’s y que Sui produjo en su apartamento durante diez años sucesivos. Después de un exitoso desfile presentado en 1991, Sui abrió tiendas en Tokio, Osaka y Los Ángeles, al tiempo que lanzaba una colección de zapatos y unas líneas de cosméticos , gafas, bolsos, bisutería y vaqueros, así como dos perfumes que obtuvieron un gran éxito de ventas. Con su aguzado sentido de la perfección vintage, Anna Sui encara la moda con seriedad sin tomarse a ella misma jamás demasiado en serio. Creadora madura y respetada, su trabajo desfila energía y se distingue por una inocencia lúdica y un sentido incongruente de la provocación.


Extraído del libro "Fashion Now"

viernes, 25 de mayo de 2012

Pulp Different Class (1995)


Sello Discográfico | Island
Producción | Chris Thomas
Dirección Artística | Pulp
Nacionalidad | Reino Unido
Duración | 51:54



<Me obsesiono con las chicas muy fácilmente. Por suerte solo me dura un par de días>



Mediados de los 90 fue una época muy prometedora para la música pop británica, un momento que presagiaba el resurgir de Britannia, y su entusiasmo recorrió  la escena musical internacional al completo. En el punto álgido del britpop, se estableció una guerra de popularidad entre Blur y Oasis, pero una gran mayoría entendió que los vencedores fueron los Pulp con su quinto álbum Different Class
El líder del grupo, Jarvis Cocker, quiso tratar ese sentimiento de exuberancia como si fuese una revolución de la clase trabajadora; sus temas son una celebración de la misma. Poseedor de una capacidad única para contar historias y de un grandilocuente estilo teatral, usó imaginería dramática y colorista para darles vida a sus personajes. La música de acompañamiento era tan eufórica que puso a los miembros de su generación a sus pies y convirtió las canciones en himnos. Solo hay que fijarse en el erizado pop inmortal de <Common People>, o de los recuerdos de los días de colegio que atesora <Disco 2000>. En cualquier caso, el clímax majestuoso de <Underwear> es insuperable. <Sorted For Es And Wizz> consigue capturar el espíritu del festival anual de Glastonbury, en Gran Bretaña, y los siniestros ritmos de <F.E.E.L.I.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E.> encapsulan los peligros del amor obsesivo.
El título del álbum le sobrevino a Cocker como una especie de epifanía en un club que solía frecuentar y que él entendía que pertenecía < a su propia clase socal>, una clase diferente, la premisa del álbum. A eso se le suma el mensaje que puede leerse en la contaportada del álbum: <No es que no queramos problemas, lo único que queremos es tener derecho a ser diferentes. Eso es todo>. Compuesto con un estilo de nivel superior, sofisticado e inteligente, Different Class catapultó a Pulp hasta formar su propia clase.



Robert Mapplethorpe


Al principio, Robert Mapplethorpe quería ser músico, pero después decidió realizar estudios de pintura en el Instituto Pratt de Brooklyn. En 1968 conoció a la cantante Patti Smith, con la cual se instaló en 1970 en el hoy mítico Hotel Chelsea, de Manhattan. Bajo la influencia de su amigo John McEndry, el conservador de la colección gráfica y fotográfica de Metropolitan Museum of Art de Nueva York, Mapplethorpe comenzó a interesarse por la fotografía, y a coleccionar viejas imágenes fotográficas. Primero, el artista se contentaba con realizar collages con material fotográfico encontrado, pero en 1972 comenzó a tomar fotografías con la cámara polaroid. Mapplethorpe tenía una marcada predilección por los temas clásicos, a los cuales aportaba el mismo rigor, a nivel de la composición y la misma extraordinaria definición. Pero el artista originó sonados escándalos, sobre todo por sus fotografías de desnudo, en las que tematizaba el erotismo y la homosexualidad con una dureza rayana en la arrogancia. La libertad con que abordaba particularmente el sexo masculino y manifestaba al mismo tiempo sus inclinaciones homosexuales, llegó incluso a provocar la incautación de sus fotografías en oportunidad de una de sus exposiciones.

Walter Van Beirendonck





El diseñador belga Walter Van Beirendonck ( nacido en 1955) ha aparecido retratado vistiendo un traje de dragón con una rana posada en la cabeza. Ha lucido un corte de pelo a lo mohicano, frondosa barba, joyas tribales y extravagantes gafas que ningún otro hombre de su imponente estatura se atrevería a ostentar. Pero lo más importante es que a lo largo de los últimos 19 años ha diseñado unas prendas que han logrado eclipsar esas excentricidades. Incorporando llamativos dibujos, atrevidos mensajes y estridentes colores a sus inconformistas diseños. Van Beirendonck dejó claro desde el principio que le interesaban por igual los aspectos estéticos, prácticos, sexuales y sociológicos de la moda.
Uno de los integrantes de los Seis de Amberes, se dio a conocer con motivo del British Designer Show de 1987 presentando su propia firma. Entre 1993 y 1999, supervisó las colecciones de W&L ( Wild & Lethal Trash), colaboración que culminó con unos teatrales desfiles multimedia en París. Después de este proyecto, relanzó sus colecciones epónimas Walter Van Beirendonck que hasta la fecha sólo se venden en Walter, su tienda en Amberes. En 1999 lanzó su segunda línea. Aestheticterrorists, que se vende en todo el mundo, Van Beirendonck es ante todo un comunicador que se mueve con la misma comodidad en el ámbito de la música, el arte, la literatura y la moda: en 1989 publicó un libro de cómics titulado <King Kong Cooks>, y en 1997 vistió al grupo U2 para su gira <Popmart>. En 1998 publicó un libro retrospectivo de su carrera, <Mutilate>, presentado con pegatinas y recortables. En 2001 Van Beirendonck se encargó de organizar la exposición sobre moda <Mode 2001 Landed/ Geland>, celebrada en Amberes, que obtuvo un éxito internacional Asimismo, Van Beirendonck imparte clases de moda en la Academia Real de Amberes.


jueves, 24 de mayo de 2012

Newton Helmut 
1920 Berlín
2004 Los Angeles
Alemán de nacimiento, residente en Mónaco y poseedor de un pasaporte australiano, Helmut Newton fue indudablemente un hombre cosmopolita, que se complació en cultivar esa imagen. El hecho de que muchas de sus fotografías fueran tomadas en suites de hoteles contribuyó a confirmar ese carácter. Newton había asistido a las clases de la fotografía berlinesa Yva, célebre por sus fotos de moda, sus retratos y sus desnudos. Después de terminar su formación, residió varios años en Australia y en Singapur, y más tarde vivió y trabajó en París durante 25 años. Colaboro en las ediciones francesa, inglesa, norteamericana e italiana de las revista <<Vogue>>, pero también en el <<Elle >>, <<Marie Claire>>, <<Jardín de modes>>, <<American Playboy>>, << Nova y Queen>> .Ademas , realizó regularmente grandes reportes fotográficos que aparecieron en <<Stern >> y <<Life>>. Actualmente, muy pocos fotógrafos logran escindir con tanta frecuencia las opiniones del mundo artístico. Por una parte, existe una comunidad de seguidores entusiastas que admiran sus imágenes, y por otra, están esos adversarios inveterados que tratan de denigrarlo, calificándolo de fenómeno de moda, o de desnudo, cuyo éxito está indudablemente emparentado con su profunda sensibilidad ante los signos y el espíritu de nuestra época. Su combinación de actitudes agresivas y sumisión voluntaria, sumada a su preferencia por mujeres altas, de marcados huesos y seguras de sí mismas tocó el centro del dilema en el que todavía se encontraban las mujeres y los movimientos feministas: reivindicar su participación en las decisiones de la sociedad, sin renunciar sin embargo a su identidad femenina, o bien experimentar que el proceso de redefinición es difícil y doloroso. Las mujeres, masculinas, la tendencia hacia la androginia, es una respuesta al problema de una identidad que todavía debe encontrar en los nuevos papeles. La fotografía de Newton mostró la diversificada variedad de tipos de mujeres que se ha desarrollado en ese contexto. No lo hizo con espíritu crítico, sino con una evidente voluptuosidad, provocando la cólera de los movimientos feministas, que desembocó repetidamente en procesos judiciales.


miércoles, 23 de mayo de 2012

EUGENIO DITTBORN




1943. Santiago de Chile, Chile.
Para encarar n acercamiento a su obra, mencionaremos dos procedimientos suyos, dos de sus estrategias. Una de ellas introduce mediaciones que difieren el cumplimiento de la imagen. Por una parte, Dittborn recurre a figuraciones de segunda mano; no representa directamente personas o situaciones: lo hace mediante el rodeo de la fotografía  encontrada, las caricaturas o grabados. El artista perturba la puntualidad de la representación interponiendo en su itinerario sucesivas instancias que postergan su cometido. Por otra parte, emplea imágenes obtenidas de fuentes muy diversas: revistas, dibujos infantiles o catálogos de historia del arte. Pero esta promiscuidad produce resultados parcos. A la incontinencia iconográfica globalizada Dittborn opone un repertorio frugal: pocas figuras se repiten obsesivamente a lo largo de su obra mediante un gesto reiterativo, compulsivo que es parte de su poética. No sólo son figuras repetidas, sino inactuales: son imágenes anticuadas que dislocan toda pretensión conciliadora de la forma amparada en la sincronía, en la tregua reparadora del presente concertado.


Basada en la acción de la mancha y el pliegue, la segunda estrategia instala un juego de escamoteos y apariciones. La mancha es simultáneamente sustancia y huella de sí, contorno y fondo que anula y redime la figura; principio que atraviesa el soporte de la representación y tiñe el otro lado. El pliegue también delata una ausencia: es un indicio, el rastro de un doblez; y también afirma una presencia plena: es el propio repliegue de la tela o el papel que niega en plano de la inscripción y remite a su detrás imposible. El pliegue y la mancha, exigen que la materialidad misma de la obra devenga premisa significante. Pero, también fuerzan a que la obra, delatada en su contingencia física, reenvíe a un más allá de su propio campo. Expuesto en su intimidad material, impregnable, plegable, la obra trasciende no sólo en el armazón y el marco, sino los encuadres institucionales. Se ubica en el umbral de la escena de la representación; allí se expone ( se muestra al deseo de la mirada). Toda la estrategia aeropostal de Dittborn, momento central de su trabajo, descentra los circuitos del arte: la operación mediante la cual la obra se pliega y se despliega deviene condición de su éxodo constante. Pero también de su súbita detención: la mancha ciega y paraliza la imagen que tapa; la vuelta del lienzo obre sí instala el silencio, el momento de la espera.
Mediante esa doble maniobra de manifestación y ocultamiento de juega la batalla que, tras el intento de rozar por un instante lo real, libra Dittborn, contra la representación; batalla trágica cuyo destino es ser jugada en frentes una y otra vez renovados. Dittborn hace de esa tensión insoluble un expediente para contrariar toda estabilidad de sentido. Entre la actividad de la imagen y su encalladura se abre un mínimo intervalo para el acontecimiento.


Issey Miyake





(nacido en Hiroshima en 1938) fue uno de los primeros diseñadores japoneses en presentar sus diseños en las pasarelas europeas. Lo hizo en 1973, casi una década antes de Yohji Yamamoto y Comme des Garçons. Después de estudiar diseño gráfico en la Tama Art University, en 1964 Miyake se trasladó a París, donde trabajó para Guy Laroche y Hubert de Givenchy . Antes de volver a Tokio para fundar su propia firma, Miyake Design Studio, trabajó para Geoffrey Beene en Nueva York . Todos ellos han influido en su trabajo: Beene con sus formas sutiles, Laroche y Givenchy con su corte y estructura parisinos. No obstante, las colecciones de Miyake resultan totalmente novedosas.
Él fue el primero que combinó el diseño japonés con el occidental: al margen de su interés por el aspecto y el teñido de los tejidos japoneses tradicionales ( como el de las blusas de los campesinos), Miyake aplica algunos conceptos del vestir japonés, como el tallaje universal. Esto encaja con su deseo de crear unas prendas prácticas y democráticas.
Esta universalidad queda manifiesta con la elección de sus modelos: para un pase de 1976 recurrió  a niñas negras, y para otro contrató a mujeres octogenarias. Los diseños de Issey Miyake fueron acogidos de inmediato favorablemente, incluso en ámbitos ajenos al mundo de la moda, y en 1986 empezó a colaborar con el fotógrafo Irving Penn, quién ha creado una impresionante obra que claramente visualiza las ideas de Miyake. Además de su propia marca (diseñada a partir  de 1999 por Naoki Takizawa), Issey Miyake produce también una línea de prendasenteramente plisadas, llamadas Pleats Please, y la colección (diseñada junto con su ayudante, Dai Fujiwara) a la que hoy en día dedica todo su tiempo A-POC ( A piece of Cloth). En ella aplica una novedosa y original técnica de confección: consiste en hacer pasar el hilo a través de una tricotosa, que saca por el otro extremo un tubo de tejido en tres dimensiones con unas líneas de demarcación, las líneas de corte. Este sistema permite contituir un vestuario completo, desde los vestidos más amplios hasta un simple par de calcetines. A-POC fue presentada por primera vez durante las colecciones de París en octubre de 1998, apareciendo en la pasarela 23 modelos unidas por una sola pieza de tela. La técnica e sun secreto celosamente guardado en el Miyake Design Studio, pendiente de ser patentada.

Iggy Pop | Lust For Life (1997)



Sello discográfico | RCA
Producción | Bewley Brothers
Dirección Artística | Andrew Kent – Mirage
Nacionalidad | EE.UU.
Duración 41:00

<Cuando grabé Lust For Life, creía que en Estados Unidos iban a machacarme por capullo>
Iggy Pop, 1999



El año 1977 fue el annus mirabilis de Iggy Pop. Se recuperó de sus problemas mentales y profesionales y produjo dos álbumes que cualquier artista se daría por satisfecho de haber grabado a lo largo de toda una carrera y también fue testigo de la explosión punk, un movimiento que a menudo lo saludaba como <padrino> del mismo.

Like The Idiot y Lust For Life fueron grabados en los estudios Hansa de Berlín, justo frente al muro, pero así como el primer álbum resulta más contemplativo e influenciado por David Bowie como productor, Lust For Life representa un regreso al sonido más contundente de The Stooges ( a pesar de que Bowie toca el piano y aporta su voz). En tanto que el primero representaba el sonido propio de un hombre que retoma el camino de la música, Lust For Life demostraba mayor confianza ( solo hay que ver la sonrisa de un millón de dólares de la cubierta).


Desde la bulliciosa batería del tema que da título al álbum, las canciones se ven arrastradas por la sección rítmica formada por Hunt (batería) y Tony ( bajo) Sales, el segundo par de hermano que trabajaron para Pop. ( Los Sales formaron después la mitad de Tin Machine, la banda hard Rock de finales de los ochenta de David Bowie, de la que es mejor no hablar.) La banda cubrió una amplia gama de géneros, desde el stomp al blues roquero.


Respecto a las letras, Lust For Lifees toda una revelación pues Pop se sirvió de sus experiencias durante los años problemáticos para crear un gran efecto en <The Passenger>, una excursión por una metrópolis de los excesos en la que tal vez él no podía ya probar nada pero a la que recordaba a la perfección. Fue todavía más cáustico en <Success>, una irónica burla de su recién adquirida posición.
Mientras una genració de jóvenes punk todavía rendía tributo a sus anteriores trabajos, Pop iba ya en otra dirección. 

sábado, 19 de mayo de 2012

Alexandra Moura



La ropa de Alexandra evoca un paisaje desmadejado. Una panorámica brumosa y futurista poblada de prendas con pliegues y nudos que se entrelazan componiendo tejidos orgánicos. Una segunda piel melancólica y cómoda, creada con materiales nobles y colores pálidos que abrazan y arropan cálidamente el cuerpo.
Alexandra nació y se formó como diseñadora en Lisboa. Es fácil apreciar la nostálgica atmósfera de la ciudad en su trabajo. No obstante, no se trata de una añoranza que mire al pasado. Apenas hay referencias retro, Es una tristeza existencial, que mira a un futuro cercano. Por eso esta diseñadora viste a los artistas que encarnan el nuevo espíritu lisboeta moderno y sofisticado, como la vocalista de Madredeus, Teresa Salgueiro.
La sofisticación tosca de sus trajes y vestidos bien podría ser usada para recrear una película de ciencia ficción, ya que sus diseños y colores destilan algo de futurismo sobrio de Mad Max o Blade Runner. Un look desafectado y elegante, sencillo, acogedor y nada recargado.
La carrera de esta diseñadora ha ido haciéndose presente con su participación  en numerosos eventos y proyectos desde 2001. Sus colecciones se presentan dos veces al año en la Semana de la Moda de Lisboa, y sus diseños han estado presentes en distintos acontecimientos europos, Étienne, el Bread & Butter de Barcelona o la XIII Semana de la Moda de Belgrado.
Con la misma ductilidad que muestra su trabajo, Alexandra Moura va labrándose reconocimiento dentro de la moda internacional, exhibiendo un espíritu luso, reinventado una Lisboa futura.



viernes, 18 de mayo de 2012

Juun. J




Una inspiración <El neoclasicismo>


Juun J, nacido en Seúl (Corea del Sur) en 1967, se sintió atraído desde muy joven por el mundo de la moda. Graduado en Diseño de Mosa en la escuela Esmod de Seúl, se incorporó al equipo creativo de la firma Chiffon, donde desarrolló sus primeras prendas como diseñador profesional. Posteriormente trabajó para Club Monaco hasta que una oferta de Nix para el puesto de director creativo marcó su ascensión definitiva. Tras adquirir la experiencia necesaria, en 1999 Juun. J se lanzó en solitario y diseño una colección de moda masculina que bautizó como Lone Costume.
Entre 2000 y 2006 el joven diseñador participó en los desfiles de la Semana de la Moda de Seùl. Desde 2007 participa en los desfiles de pret-a – porter masculino de París. El estilo creativo de Juun. J se sustenta sobre su propio concepto de diseño e inspiración. Tiene preferencia por la convivencia temática, por la combinación de siluetas diferentes y por todo lo que tenga que ver con la innovación tecnológica. No obstante, la sastrería tradicional es la base de su metodología.
Fiel seguidor de las corrientes artísticas más vanguardistas, ha realizado colaboraciones  puntuales con artistas como el japonés Nuts y el británico Simon Henwood. Sus prendas copan las páginas de moda de las revistas de tendencias masculinas como Vogue Uomo o GQ.



Extraído de "Moda, los talentos de la nueva generación"

Aretha Franklin | Aretha: Lady Soul (1968)



Sello discográfico |Atlantic
Producción | Jerry Wexler
Dirección artística | Loring Eutemey
Nacionalidad | EE.UU.
Duración | 28: 39



<En Atlantic me dejaron… hacer las cosas a mi modo. Y los éxitos llegaron…>

Hija del cantante del góspel C.L. Franklin, Aretha sin duda tenía casta. Pero no fue hasta que fue contratada por Atlantic Records cuando fue coronada Lady Soul.
En su anterior compañía, Columbia, le habían hecho cantar pop insulso, pero el productor Jerry Wexler de Atlantic casó su voz, toda una fuerza de la naturaleza, con la sección rítmica del estudio Muscle Shoals Sound, y el soul arrebatado de Aretha se desató.

"Chain of fools"

Lady Soul era su tercer álbum juntos, y el mejor de todos. Aretha  había adquirido confianza con su debut en Atlantic, I never Loved A Man The Way I Love You, mientras que el más eléctrico Aretha Arrives  realzó los puntos fuertes y los límites de su talento. Lady Soul sacaba partido a los primeros: la doble pasión de Aretha por el rhythm & blues- el himno recriminatorio de Don Covay < Chain Of Fools>, y < Since You’ve Been Gone>, en la que The Sweet Inspirations, el coro de Franklin, entona una feroz salida vocal contra el novio ausente el titulo – góspel (la versión exquisitamente orquesta del <People Get Ready> de Curtis Mayfield, arreglada por Arif Martin).

"Lady Soul"

Aunque el solo de Eric Clapton en el blues líquido <Good To Me As I Am To You> es una muestra de aceptación de los avances contemporáneos del rock and roll, Lady Soul se sumerge en la sustancia del título, y Aretha hace versiones de los maestros (Mayfield, James Brown, Ray Charles) con talento y autoridad. <A Natural Woman> es la más destacada; el peregrinaje de músicos de Muscle Shoals a los estudios Atlantic de Nueva York durante esas sesiones refleja al propio periplo artístico de Aretha, que infunde a la maravilla canción la honestidad y la pasión que había adquirido en Memphis, y halla su auténtica voz en el proceso.

"People Get Ready"





jueves, 17 de mayo de 2012

Luis Saray, Lector de los nuevos sueños por Gabriela Diaz Palma




Yo creo que desde muy pequeño mi desdicha y mi dicho, al mismo tiempo, fue el no aceptar las cosas como me eran dadas(…) parezco haber nacido para no aceptar las cosas tal como me son dadas.
Julio Cortázar.



No existen hombres sin sueños, ni imaginación sin dueño. La riqueza del imaginario humano se funda en la capacidad ilimitada de crear mundos nuevos y paralelos a una realidad existente, estructurada y reducida. En este escenario, muchas veces se simulan certezas y verdades que tomamos por ciertas, sin cuestionar ni poner en duda la legitimidad del espacio en el que nos situamos y cómo se nos presenta este. Sin embargo, Luis Saray, artista visual colombiano, nos induce a una quimera de posibilidades que ilustran lo que sucede en el mundo a través de sus ojos.
Ganador de la beca de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), llega a Lima a presentar un pedacito de su trayectoria en Arqueología de la basura.
Su iniciativa visual y conceptual permitió su selección en el Programa de becas 2010-Residencia, coordinado por la Asociación Peruano Española ComuninA, sensible hacia proyectos socioculturales de manera interactiva, destacando en el ámbito artístico a partir “de la comunicación emergente”. Gracias a ella y en coordinación con otros colaboradores aliados del arte, como Bruno Gallery, Luis Saray realiza su experiencia social y artística.



Revela dos mundos antagónicos: uno cotidiano y real, y el otro inexplicable e inasible.
Plasma, entonces, un juicio propio y original que rompe con el entendimiento usual para crear, precisamente, una impresión profunda en un mundo “nuevo” donde el espectador está comprendido como habitante de esta realidad. Esta circunspección que aplica para la realización de su obra aborda un trabajo de investigación que se inicia con el estudio de algunas obras prehispánicas y otras de arte contemporáneo colombiano, mexicano y finalmente peruano. Saray busca rescatar ideologías que parecen olvidadas y, mediante la reinterpretación, recrear piezas bajo los valores actuales. Se trata de reconstruir, reinventar y transformar los vestigios del pasado para entender nuestro presente e identificarnos con él.
ConsuMonsters, proyecto que se inicia hace algunos años en Colombia, es la creación de un bestiario fantástico que parte de una reflexión respecto al presente en el que vivimos y el respeto que demostramos a nuestro entorno cercano. Recoge objetos y hechos cotidianos (nuestra basura) que responden al inconsciente colectivo de las personas, subordinado al “compromiso” de los medios comunicativos y tecnológicos como la radio o la televisión. Critica el modo en que estos, en vez de “formar sociedades”, las manejan y fabrican intereses. Y observa cómo sus necesidades sufren variaciones de acuerdo a la emergencia de lo latente: “el consumo popular”. Juega con la instalación, la tecnología mediática, los videomonsters.
No teme explotar  los límites de su propuesta
El pop art se ve transgredido y superado pues, a partir del reciclaje, emplea la basura como material primordial de su composición y “el medio de consumo” es su principal recurrente.
Por ello los productos de consumo masivo y su idea del “arte de la reutilización” serán su fundamento. Mediante la instalación, en la que confluyen tnato naturaleza como fantasía, reta al universo en el que existimos: un orden cerrado, para convencer al público de sumergirse en la dimensión de la pesadilla o de la revelación de un modo natural y lúdico, que no se materializa sino hasta la ilustración de sus pequeñas bestias de ensueño, a quienes les atribuye humanidad. Un mundo en el cual sus principales personajes son “bestias” en los diversos sentidos que puede tomar la palabra. Es decir, las actitudes básicamente humanas van dejando lugar a actitudes bestiales y monstruosas que emergen en el actual del os personajes y los identifican con los seres antropomorfos de nuestra historia.
Reinventa lo que ya está inventado pues la originalidad se ha visto perdida con los eclecticismos del hombre. Se pregunta: ¿Qué es arte realmente?, ¿Cómo es que el individuo le atribuye más o menos valor según los paradigmas a los que uno trata de imitar? Responde estos cuestionamientos a través de su imaginario fantástico, que trata de destructurar lo que un toma por verdad, con su capacidad de asombro. Esboza la invasión de algo extraño, misterioso, indeterminado, pero  a la vez esperado y aceptado por los protagonistas: nosotros. Un “de repente” que anticipa la proximidad de un suceso que suspenderá la cotidianeidad que se describió antes.
Este bestiario fantástico, a modo de fábula o cuentito moralista, se contrapone a otras figuras con atributos humanos; por ejemplo los animales que aparecen en gráficas de productos comerciales “como el gallito de Kelloggs”. Estos no tienes moraleja, sino un mensaje subliminal de consumo y el “hombre masa es un idiota conducido”. Aquello que busca plasmar explícitamente no es un discurso, sino la ilustración de su juicio.
Sin embargo, enfrentamos ese llamado de atención a través de una lectura ingenua e ilusoria, que llega a nuestro inconsciente como sorpresa, y es que “del juego siempre hemos aprendido”.
Luis Saray logra superponer estos dos mundos de diversa complexión, pero que se entrecruzan en la vida y en el interior de los personajes mismos. No se trata de una tendencia a interpretar realidades donde bien y mal luchan en polos opuestos, sino de crear un espacio que despierte la sensibilidad del individuo, donde ninguna realidad es una certeza. Y logra introducirnos a un espacio fantástico de territorios sin fronteras; su imaginación.


Talking Heads | Talking Heads:77



<<Queríamos hacer buena música con formato de canciones>>

Sello discográfico | Sire
Producción | Tony Bongiovi
Dirección  artística | David Byrne
Nacionalidad | Reino Unido  - EE.UU.
Duración | 38:37

Los integrantes de Talking Heads, el escocés David Byrne junto a Chris Frantz y Tina Weymouth, anteriormente The Artístics en Nueva York, habían forjado su reputación tocando en directo, lo que les convirtió en una de las bandas con más tirón en el club CBGB. Tras firmar para Seymour Stein y su sello Sire, reclutaron al ex guitarrista de Modern Lovers Jerry Harrison y empezaron a trabajar en el que sería su clásico álbum de presentación junto a Tony Bongiovi, primo de la superestrella Jon Bon Jovi ( aunque acababan de conocer al que sería su futuro productor, Brian Eno, tras actuar como teloneros de The Ramones en Londres).


El singles anterior al album, <Love Goes To Building On Fire> levantó ciertas sospechas respect a si el grupo comprometería a su sonido típico para ganar aceptación comercial, pero Talking Heads ’77 demostró que su integridad seguía intacta. El burbujeante tema de apertura <Uh-Oh, Loves Comes To Town>, influenciado por el amor que Byrne sentía por los grupos de los sesenta, presentaba su inconfundible voz tensa sobre los ritmos espasmódicos de Frantz y Weymouth. Bongiovi añadió inicialmente unos arreglos de cuerda psicodélicos al retorcido monólogo <Psycho Killer>, pero la banda se quejó de que lo hacían sonar como un disco de novedades.


Sin embargo, temas como <New Feeling>  y <Don’t Worry about the Government>, con su distintivo trabajo de guitarra, sus cambios súbitos de tempo y los inteligentes e inconexos párrafos líricos de Byrne, evidencian que Talking Heads se había nutrido del punk, del funk y de la música disco para crear un convincente sonido propio.
Talking… alcanzó el Top 40 en Europa. Rolling Stone los destacó como los artistas más prometedores de 1977. Este excelente álbum tuvo mucha influencia en bandas como Radio 4 y The Rapture, que han mantenido vivo el espíritu creativo de los primeros Talking Heads.


Clements Ribeiro





Cuando dos diseñadores con talento se lo pasan bien trabajando, hay algo que no se puede remediar: los diseños se tiñen de color, los estampados invaden vestidos y blusas, y la elegancia de lo tradicional se torna algo irreverente, como si un torrente de alegría invadiera el trabajo y descolocara ligeramente cierta rigidez y formalidad generando creaciones nuevas y singulares.

Así son el brasileño Inácio Ribeiro y la británica Suzanne Clements, una feliz alianza que derrocha ingenio y maestría en cada uno de sus trabajos,  lo que les ha convertido en un referente de innovación dentro de la moda británica. Se conocieron en el Central Saint Martins y pronto formaron Clements Ribeiro, despuntando con una primera colección eléctrica, femenina y poco convencional. Desde entonces, su estilo innovador no ha parado de recibir elogios por su excelente mezcla de elegancia, calidad y electricismo.
Una exquisita combinación de atención al corte y a los acabados unida a una refinada agudeza para combinar tejidos y texturas. Un carácter propio que la legendaria casa Cacharel quiso hacer suyo cediéndoles la dirección creativa de sus  colecciones, desde 2000 hasta 2007, fecha en la cual decidieron dedicarse exclusivamente a su propia firma.

Clements Ribeiro son una coalición especial, única. Lo fácil hubiera sido conseguir un espacio dentro de la moda mediante el derroche, la sobreornamentación y la mezcla dispar, pero no ha sido así. No obstante, la particularidad de estos diseñadores estriba en una especie de inestabilidad estudiada, una oscilación equilibrada entre lo bohemio y lo elegante. Han logrado conseguir lo verdaderamente difícil, la justa medida de las cosas.



¿Cuáles son sus fuentes de inspiración?
Nos apasionan las artes visuales, en particular la pintura  y los dibujos. Somos ratas de museo y polillas de libros de arte. También viajamos todo el tiempo;  no nos referimos sólo a viajes de negocios, sino sobre todo viajes por carretera y de aventura, y por el camino hemos ido coleccionando muchos objetos y souvenirs. A lo largo de los años nos hemos visto utilizando estas cosas como objetos de investigación. La propia moda siempre ha sido una de nuestras mayores fuentes de energía, en el pasado y en el presente.

¿Cuál es su sueño como diseñadores?
Hacer prendas sensacionales que sean un reflejo de la artesanía y de la singularidad a la par que relevantes para nuestros clientes y nuestro tiempo.

¿Cuál ha sido la mayor satisfacción de vuestra carrera?
Haber mantenido nuestra integridad y nuestra relación a lo largo de los inevitables altibajos de una carrera de éxito en la moda.

¿Qué importancia tienen las tendencias?
Facilitan la difusión de ciertas ideas que parecen captar un momento.
Deben <suceder> en lugar de ser impuestas o seguidas. El impulso creativo en su expresión más individual nos provoca un verdadero placer.

La moda siempre  ha reflejado una época concreta. ¿Qué refleja la moda del siglo XXI?
Creemos que, hasta ahora la moda de este siglo ha mostrado una lucha muy dinámica entre las corporaciones de las grandes marcas y la resistencia creativa de las casas independientes.
Todo parece estar al borde del cambio, y como todos buscamos captar la esencia, la moda se vuelve muy plural y se dan unos niveles muy elevados de creatividad y oficio. Los periodos de cambio son siempre muy emocionantes y, por consiguiente, muy creativos, tanto en el diseño como en las estrategias.

El libro que recomendarías a todo diseñador de moda es….
La hoguera de las vanidades, de Tom Wolfe. Es una introducción tan buena como ninguna otra a todos los peligros de comerciar con las vanidades de las personas y sus costumbres y convenciones sociales.

Extraído del libro Mapa de la Moda Contemporánea

miércoles, 16 de mayo de 2012

The White Stripes | Elephant



Sello discográfico |XL
Dirección artistic | Bruce Brand – Jack White
Nacionalidad  |EEUU
Duración | 49: 47



Cuando Jack y Meg White se reunieron en los estudios Toerag de Londres para grabar su cuarto álbum, nadie sabía que resultaría tan deprimente. Los anteriores habían sido sencillos, artísticos y estridentes, pero Elephant, además de albergar un single emblemático  y sucio (<Seven Nation Army>), hablaba de una banda que exprimía la exploración sonora lo máximo a lo que un dúo podía aspirar.
Envuelto en una funda de lo más simbólica ( el pie de Meg está atado, en un guiño a su divorcio; Jack Blande cinó durante la grabación), Elephant fue grabado con un equipo analógico, y en la producción no se utilizó nada posterior a la mitad de los 70.



<Ball And Buscuit>, con siete minutos de duración, y que Jack tocaría después en directo con su héroe Bob Dylan, era un guiño a la influencia de blues ( su duración podía explicarse como una reacción a la contracultura que las notas censuraban). No obstante, el album también es una encantadora bestia moderna. Dedicado a < la muerte del ser amado>, Elephant es una obra visceral fuera de lugar, pero en absoluta sincronicidad con su época. <Seven Nation Army>, un single con un estribillo sin palabras que ha padecido numerosas remezclas dance, comunicaba algunas de las preocupaciones de Jack sobre su creciente fama. Por lo demás, encontramos introspección (<In The Cold, Cold night>, cantada por Meg) explosiones operísticas (<There’s No Home For You Here>) y blues de garaje estupendo (<Girl, You Have No Faith In Medicine>), que la banda domina como nadie.
Elephant sigue siendo su disco más dinámico y el más vendido. Que transmita tanta oscuridad y frustración solo sirve para definir su grandeza de clásico. JK



Extraído del libro 1001 discos que hay que escuchar antes de morir.

Tribus Urbanas : Los punks, rápidos y furiosos (2)


Retrocedamos en el tiempo, es 1978 y ser un auténtico punk no es tarea fácil. Debes renunciar a un sinnúmero de obsoletas costumbres y ser muy estricto y consecuente con tus nuevas ideas sobre anarquía y nihilismo. Haremos un listado de los DO’s & DON’Ts del Perfecto Punk.

Cecilia Medo.




El Manual del Perfecto Punk

1.- El reciclaje es altamente estimulado por los Punks; está muy bien si hurgas en los basureros o en casa de tus padres en busca de cadenas, correas y collares para perros, imperdibles de todos los tamaños, restos de piezas de gasfitería, candados, alambres (mejor si con púas, de hecho todo aquello que tenga púas es codiciable), etc. Luego pones en práctica tu creatividad y te fabricas accesorios con ellos. Generalmente estos accesorios cumplen una doble función, pues te sirven para tener un gran look, al tiempo que estás bien provisto para una de las frecuentes peleas callejeras.

2.- El arte callejero o graffiti es muy Punk; puedes y debes expresar tu lado artístico sobre los muros y superficies -de lo que sea- en tu ciudad. Por lo tanto, es recomendable llevar contigo al menos un spray con pintura “verde marciano”, “rojo escándalo” o “naranja enloquecida”, cuanto más chillón el color, mejor. La idea es dejar tus opiniones punkies muy claras para la comunidad en su conjunto. Además, te lo pasas la mar de bien.



3.- Tu pelo o cabello: No solamente los hippies se habían preocupado por transmitir algo con su pelo suelto y largo, sinónimo de libertad y regreso a lo natural, claro que no; los Punks se expresan muy alto y claro a través de sus elaborados peinados. Ante todo, dile no al pelo largo. Debes llevar el pelo corto, pero con los suficientes centímetros crecidos como para poder erizarlo o pararlo. Puedes inspirarte en los penachos de las cacatúas, si logras que tu pelo se vea así de amenazante eres un éxito total. Lo bueno es que el estilo vale tanto para chicos como chicas, las cuales también deben sacrificar sus melenas para ser unas punk rockers. Un momento, también debes pintarlo, no importa con qué clase de pintura, puede ser de uso industrial, pero debes decolorar tu cabello y pintarlo de fucsia, verde, naranja, rojo o violeta.


4.-  Anarchy “A”: Hay ciertos símbolos que te conviene incorporar a tu vida cotidiana, por ejemplo la “A” dentro de un círculo, que es el símbolo de la anarquía. Y debes llevarla pintada con spray sobre tu casaca o chamarra de cuero o tela, mejor aún si la coses, a modo de parche o badge, en tus polos o camisetas. Y cuando decoras los muros de la ciudad, este símbolo es de uso obligado. Esta “A” ha sido símbolo de varios movimientos anarquistas desde el siglo 19, nada menos. Los Punks simplemente la rescatan e incorporan como su máximo distintivo. Otro símbolo que –lamentablemente- se asocia con este movimiento es la esvástica nazi. Aunque totalmente carente de significado ideológico, algunos la usan como estrategia de shock visual, sin tomar en cuenta la siniestra carga que posee.




5.- Publicar un fanzine. El movimiento Punk promueve la cultura, y tanto así, que si eres un Punk, de hecho que estás harto de leer los diarios y publicaciones convencionales, donde nadie habla de tus ídolos o de tu vida, así que, siguiendo la filosofía del “Házlo Por Ti Mismo”, solamente tienes que sacar tu propio fanzine. El costo es mínimo, y puedes venderlo -o regalarlo- entre tus más selectos compinches. El fanzine fue creado por los Punks, y también lo fue el estilo de los titulares hechos con letras de diferentes tipos. Fanzine es la contracción de fan magazine, el magazín del aficionado.

6.- Si eres Punk, lo eres a tiempo completo. Entonces, una de las cosas que debes hacer es romper contratos y patear traseros. Por ejemplo, los Sex Pistols llegaron a ser fichados por EMI, lo que era  una contradicción monumental, pero ellos mismos se encargaron de terminar esta molesta situación, aprovecharon cuando EMI sacó de circulación su disco para insultar públicamente a la discográfica  y terminaron entablándoles una demanda por 25,000 libras esterlinas, que EMI tuvo que pagar. Moraleja: patear traseros puede ser rentable, ¡Viva la anarquía!


7.-  Los Punks hacen intervenciones artísticas urbanas. Recrean obras de arte como monumentos y pinturas con el uso creativo de sus multicolores sprays. Ejemplo: la fotografía oficial de la Reina Isabel II quedó –realmente- inmortalizada tras la intervención que los Sex Pistols realizaron a su imagen, es algo que la soberana nunca pudo –ni podrá- apartar del imaginario colectivo, pues la imagen "intervenida"  por los Pistols se superpone con creces a la original.


8.- Si eres británico detestas a los EE.UU, si eres americano, los punks británicos te parecen peligrosos y no entiendes porque odian a los yanquis. Además, tienes cara de psicópata, pues ese es uno de tus deberes como Punk activo, además, debes sentirte auténticamente molesto la mayor parte del tiempo y demostrarlo sin tapujos.



9.- Bailar el Pogo o Pogo Dancing: Si eres un buen Punk, DETESTAS BAILAR. Pero como una de tus diversiones principales consiste en ir a los conciertos de tus bandas punk favoritas, algo tienes que hacer, además de romper botellas de cerveza y patear a tus amigos. Asì nace el Pogo, una forma de “anti-danza” absolutamente punk. Poguear se resume en balancear tu cuerpo de manera más o menos convulsa, es decir, al compás de tu música Punk; en este eléctrico y arbitrario balanceo, los cuerpos suelen chocar –fuertemente- unos con otros, y así se suscitan peleas de corta duración y gran contundencia. Algunos poguean magistralmente, pareciendo poseídos por el mismo espíritu de la anarquía.

10.- Un buen Punk odia a todos los exponentes del rock de los años anteriores, excepto a Lou Reed, Iggy Pop y David Bowie, esta tríada era considerada como la de los Padrinos del Punk. Por ende, The Velvet Underground y The Stooges podían estar entre tus discos favoritos. También resultan aceptables The New York Dolls, MC5, algo de Mott The Hoople, Captain Beefheart, Roxy Music, Johnny Thunders & The Heartbreakers, T. Rex y Faces, todos estos considerados como proto punks. Otros géneros musicales que el punk acepta e incorpora, tomando prestados del mismo algunos sonidos, es el reggae y el ska. El rasgueo sincopado de las guitarras y el nuevo protagonismo del bajo como un sonido poderoso y bastante más protagónico que en el clásico rock and roll, son características del sonido punk, aunque originarios de estos subgéneros jamaiquinos.

11.-Prácticas escatológicas: El buen Punk es algo escatológico en su modus vivendi y operandi. Defecar en medio de la calle, o en un edificio público en señal de protesta es bien visto. Lo mismo ocurre con el vómito y los orines. Un Punk no se siente cohibido y expresa su descontento con el mundo y el establishment a través de sus fluidos y excreciones corporales más olorosos.

12.- Tipos “duros”: Si te enamoras o te gusta alguien, jamás debes hacer demostraciones públicas de afecto, pues  eso puede ser interpretado como señal de debilidad; esto es igualmente válido para chicos o chicas. El Punk es “duro” y anti sentimental, ven con sumo desprecio ese ideal del amor institucionalizado y meloso que la sociedad vende tan bien, y la idea de familia ni siquiera entra en su cabeza. Los amigos sustituyen a la familia, y la calle al “hogar”.


13.- Maquillaje y atuendo: Está muy bien aplicarse maquillaje, y cuanto más chocante, mejor. La chica punk usa labial negro, violeta o rojo muy oscuro y maquilla sus ojos exageradamente, en una suerte de estilo neo-expresionista exacerbado. Siouxsie Sioux, cuando aún era miembro de los fans de los Sex Pistols, The Bromley Contingent, alcanzó notoriedad por su original maquillaje, que convertía su  rostro en el de una feroz ave de presa. Los chicos también se embetunaban los labios, preferentemente de negro. Las uñas se llevaban pintadas -también de negro-. Tu ropa debe ser barata, pero no te olvides de incluir -al menos- una casaca de cuero negro y usar pantalones muy estrechos, estilo pitillo. Ah, si están rotos, mejor.



14.- Política: Emparentados con los Situacionistas y anarquistas de antaño, el Punk de fines de los años 70 no cree en ninguna tendencia política. Pero hay algunas excepciones. Los Sex Pistols representan al Punk que no cree en nada, fiel a su nihilismo y espíritu anárquico puro. Pero The Clash, la otra gran banda punk, simpatiza con algunos postulados marxistas, así que son punks “de izquierda”. Lo normal es ser anti sistema. Posteriormente, algunos punks se decantan por el animalismo y veganismo, que son posturas políticas, así como el ecologismo y la defensa de las minorías sociales. Algunos políticos de ultra derecha que quisieron utilizar el Punk para ganar adeptos, como el National Front. La idea del skin-head como neo-fascista violento, es fruto de esta agrupación de ultra derecha. Pero insistimos, el Punk verdadero es tan anti establishment, que lo normal es no tener el menor interés en la política.

Podríamos continuar la lista, pero hay muchas otras aristas interesantes que analizar sobre este movimiento. Continuaremos en una nueva entrega en la que conoceremos a los principales rostros del Punk, desde sus inicios hasta el día de hoy.


                 The Clash: "I'm so bored with the USA"





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